|
|
*Proyectan Museo de Arte e Historia de Guanajuato - Por: Martín
Diego - CORREO-GTO
Con la finalidad de albergar en el Museo de Arte e Historia de
Guanajuato información y un acervo concerniente a la minería, ligada
a la fundación del estado desde la época Virreinal a la fecha, el
Forum Cultural Guanajuato y la Coordinación General de Minas de la
Secretaría de Economía del gobierno de la República, realizaron un
primer acercamiento para detallar el proyecto.
Así lo manifestó el director del Forum Luis Serrano Espinoza quien
detalló la importancia de ese acercamiento toda vez que "entre las
salas que tendrá el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, se
albergará la historia de la minería en la entidad.
Publicidad
En ese
aspecto, dijo, "en el caso de la minería tenemos algunas piezas
importantes de acervo y el coordinador (Norberto Roque Díaz de León)
viene a conocer el proyecto y a sentar las bases de un convenio de
colaboración donde la coordinación no sólo aporte información veráz
del estado de la minería actual y en el curso histórico y la
posibilidad de tener piezas que puedan aumentar nuestro acervo
museográfico".
Así que este día se tuvo el primer acercamiento para esa finalidad
y, más tarde, el presidente del Forum Juan Antonio García Ramírez,
adelantó que un cuadro al óleo de la autoría de José Chávez Morado y
que hoy se encuentra en la oficina del director del Fideicomiso del
Fondo Minero (Fifomi), será dado en comodato al gobierno del estado
"para que lo puedan apreciar todos y no sólo un funcionario".
El acercamiento que se dio esta tarde, sentará las bases de
colaboración en cuanto a información y cultura de la minería en la
entidad.
*Críticamente feministas: un libro y dos compiladoras -
ELUNIVERSAL
Crítica feminista en la teoría e historia del arte, la espléndida
compilación reunida por Karen Cordero e Inda Sáenz, acaba de
presentarse en la 39 Feria Internacional del Libro del Palacio de
Minería.
Este libro publicado por la Universidad Iberoamericana recorre las
principales ideas que el feminismo ha aportado al arte, empezando
por el clásico ¿por qué no han existido grandes artistas mujeres?,
escrito por Linda Nocklin en 1971 y otros de reconocidas autoras
como Griselda Pollock y Whitney Chadwick.
La mayoría de los textos en esta selección ya los conocía de leídas
o de oídas: es sorprendente cuántas veces ni siquiera tenemos que
leer algo para que repercuta en nuestra vida. Son de esos textos
fundacionales cuyos conceptos flotan en el ambiente y se reflejan en
escritos, obras de arte e incluso actitudes.
Aunque no comulgo con todas las ideas en esta publicación, son como
viejas amigas que me han acompañado toda la vida. Hoy, este libro me
permite disfrutarlas juntas para compararlas, criticarlas y ver qué
frutos han dado y si han envejecido bien. Pero más importante que
reevaluar el pasado, esta compilación las reactiva para que sigan
dando lata.
Los artículos reunidos en este libro han influenciado la forma en la
que concebimos el arte. Si bien se enfoca hacia las mujeres, plantea
preguntas básicas que nos conciernen a todos como ¿quién, por qué y
para qué arte? o ¿qué ideas reflejan y promueven las obras de arte y
cuál es su relación con el poder?
El material en esta publicación no es nuevo, pero tenerlo junto y
traducido al español es un acto importante que muestra la mala
intención de las compiladoras de sacudir —y si hace falta trapear— a
un medio artístico mexicano al que le han llegado las ideas de la
crítica feminista mal masticadas y peor digeridas. Esta publicación
abre la posibilidad de que el debate se afiance, crezca y se
diversifique.
Ahora, cada vez que una artista joven me pregunte si su obra es
feminista, lo cual me sucede con inusitada frecuencia, se lo
recomendaré para que entienda de dónde vienen las ideas que pescó
inconscientemente o para que encuentre herramientas para refutar a
los que creen ver ciertas características en la obra de las artistas
que no existen. Lo mismo haré con quienes siguen organizando
exposiciones de mujeres artistas basadas exclusivamente en una
cuestión genital, ignorando las ideas que este libro aborda tan
meticulosamente. Ahora sí ya no hay excusa.
En una buena compilación, como esta, resulta evidente que el todo es
más que la suma de sus partes. En este caso, un ejercicio académico
también es un atinado acto de militancia política. Las autoras
compilaron este libro porque saben que encaminar el pensamiento es
un acto de poder y empoderamiento que transforma la realidad.
Quizá emulando la necesidad de decir las cosas como son,
característica de los textos de este libro, sus compiladoras
incluyeron la peligrosa palabra “feminista” en el título del libro,
arriesgándose a enfrentar los prejuicios que la rodean. Todavía hay
muchos que creen que feminismo equivale a odio a los hombres. Aunque
este no es un libro unidireccional, sino uno que da cuenta de los
distintos enfoques representativos de la riqueza de la discusión
sobre el tema desde hace casi 40 años, al usar la palabra feminista
y no maquillarla con el término “género”, se arriesgaron a perder
clientes. Ni eso las detuvo.
Afortunadamente, ni siquiera la famosa palabrita ha empañado el
entusiasmo con el que se está recibiendo el libro, que se vende como
pan caliente.
*Las diferentes caras del retrato en la historia del arte
Licenciado en Historia del Arte, José Félix Martos mostró el papel
del retrato desde el Antiguo Egipto hasta las vanguardias -
GUADALAJARA
El retrato en el mundo del arte, abarca desde las primeras
manifestaciones artísticas en la antigüedad hasta las expresiones
pictóricas y escultóricas más vanguardistas y es que el rostro
humano ha servido en incontables ocasiones como motivo a retratar.
Sobre las diferentes formas en que ha estado presente a lo largo de
la historia del arte, ofreció una conferencia en la Biblioteca
Pública de Dávalos, José Félix Martos, licenciado en Historia del
Arte y profesor en el Instituto Buero Vallejo de Guadalajara, quién
recorrió las diferentes etapas y técnicas artísticas a través de
algunas de las obras más representativas.
Del retrato funerario al cubista
Una de las
primeras funciones que desempeñó el retrato a lo largo de la
historia del arte fue el funerario. Su fin era recordar a las
personas fallecidas. Existen constantes ejemplos de ello desde la
época del Antiguo Egipto, pero fue en los primeros momentos de la
fotografía cuando adquirió su aspecto más notable, ya que uno de sus
primeros usos fue el de “inmortalizar” a los muertos.
Todos los grandes personajes de la historia han sido retratados. Las
pinturas cortesanas sirvieron para magnificar a los monarcas e
incluso para que dos futuros contrayentes, en los matrimonios
concertados entre diferentes casas reales, se vieran por primera vez,
aunque fuese por medio de una pintura.
Muchos artistas no resistieron la tentación de retratarse así mismos.
Tal es el caso de Durero, Rembrant o Picasso. El primero arrastrado
por el hedonismo, el último en un ejercicio de retrospectiva. Los
retratos cubistas del malagueño universal no buscaban la
verosimilitud física si no la moral. Ya se conoce que la cara es el
espejo del alma.
*Se cumple hoy el centenario de Balthus, “eremita de la luz”
Arribarán a México la novela Cumbres borrascosas y el libro
Mitsou, ilustrados por el artista. LAJORNADA-MX
Su obra fue definida por el poeta René Char como “el verbo en el
tesoro del silencio”
Muchos críticos intentaron, sin éxito, descifrar la “rareza” de sus
lienzos y dibujos - Mónica Mateos-Vega
Dos de las ilustraciones creadas por Balthus para el libro Mitsou,
que el artista francés, nacido el 29 de febrero de 1908, hizo al
alimón con el poeta checo Rainer Maria Rilke, en el verano de 1921,
reproducidas aquí con la autorización de Ediciones Artemisa, de
España
Dibujos de Balthus, realizados por el artista en 1933, para ilustrar
una edición de la novela Cumbres borrascosas, de Emily Brontë, la
cual es la primera versión en español que las incluye y circulará en
México publicada por el sello independiente Artemisa, de España
Dos joyas
literarias están por arribar a México: una edición de la novela
Cumbres borrascosas, de Emily Brontë, que reproduce, por vez primera
en un título en español, las ilustraciones que para esa obra realizó
Balthus en 1933, y Mitsou, el libro que el gran pintor francés hizo
cuando tenía 12 años de edad, en colaboración con el poeta Rainer
Maria Rilke.
Editadas por la casa independiente Artemisa, cuya sede se encuentra
en las islas Canarias, en España, ambas publicaciones enmarcan la
celebración por el centenario del natalicio del artista (29 de
febrero), quien concibió la pintura como una música interior.
“Hoy día se desconocen las virtudes milenarias del silencio y el
trabajo, del diálogo secreto y profundo con lo invisible, que para
mí también es lo divino, y esa reconstrucción aparente en el lienzo
que viene de muy lejos, de un lugar muy antiguo”, escribió Balthus
en sus memorias.
Ocho de las ilustraciones que realizó para Cumbres borrascosas
fueron publicadas por primera vez dos años más tarde, en el número
siete de la revista surrealista Minotauro. En total son 15 dibujos,
además de 11 estudios preparatorios. Si bien Balthus no ilustró
todos los capítulos de la novela, puede decirse que en estos trazos
se encuentra el germen de gran parte de la producción madura del
artista.
La infancia como estado esencial
Lo mismo sucede en Mitsou, obra que realizó al alimón con Rilke en
el verano de 1921. El libro narra la historia de un gato perdido,
ilustrada por el pintor, con prefacio del poeta, que era amante de
la madre de Balthus.
La editorial Artemisa, coordinada por Marian Montesdeoca y Ulises
Ramos, lanzó en 2007 ese título inédito hasta entonces en España, en
edición de Juan Andrés García Román, enriquecido con la
correspondencia que Rilke dirigió a Balthus, en la cual le
aconsejaba, entre otros temas, cómo celebrar sus cumpleaños: “Hace
muchos años conocí a un escritor inglés, Mr. Blackwood, que en una
de sus novelas aventura una hipótesis muy seductora: pretende que en
la medianoche se produce siempre una hendidura minúscula entre el
día que acaba y el que comienza y que, si una persona hábil se las
arreglara para deslizarse dentro de esa hendidura, saldría del
tiempo y se encontraría en un reino independiente de todas las
mudanzas que nosotros soportamos; en ese lugar se encuentran
reunidas todas las cosas que hemos perdido. (Mitsou, por ejemplo,
los muñecos rotos de los niños, etcétera, etcétera.)
“Su cumpleaños se encuentra allí escondido y sale a la luz... ¡sólo
cada cuatro años! (Imagino una exposición de cumpleaños en la que el
cumpleaños de otros se comparase con el suyo, siendo este último
tratado con esmero y sacado del almacén sólo tras largos periodos.)
Mr. Blackwood, si no me equivoco, da a esta hendidura nocturna y
secreta el nombre de ‘Crac’: ahora bien, por no disgustar a su
querida madre y a Pierre, le aconsejo no desaparecer en ella, sino
contemplar tal lugar tan sólo durante el sueño.
“Su aniversario –estoy segu-ro– se encuentra muy cerca de allí, lo
encontraréis a la primera, y es posible que tenga la oportunidad de
entrever algunos otros esplendores más.
“Al despertar el primero de marzo se encontrará rodeado de aquellos
admirables y misteriosos recuerdos y, en lugar de que sea dada una
fiesta para usted, será usted mismo generosamente quien la dé a los
otros, al relatarles sus turbadoras impresiones y al describirles la
naturaleza maravillosa de su raro cumpleaños, ausente, pero intacto
y de la mejor calidad.”
Las 40 viñetas que diseñó el jovencito Balthus son “de una
originalidad y una actualidad asombrosas, mientras Rilke escribió un
breve pero intensísimo prefacio en que pondría palabra a la historia
figurativa y plástica del pintor.
“Mitsou puede parecer infantil, tal vez hasta naïf, pero hay que
tener presente la importancia que la idea de la infancia tiene en la
obra de ambos genios: la infancia como ‘estadio esencial’”, señalan
los editores.
Admirado por Breton y Picasso
Balthasar Klossowski de Rola nació un 29 de febrero de 1908.
Reducido a “pintor erótico” por quienes conocen superficialmente su
obra, Balthus fue hijo de Erich Klossowski, un destacado historiador
de arte, y de Elisabeth Dorothea Spiro (conocida como Baladine
Klossowska), integrante de la elite cultural de París. El hermano
mayor del pintor, Pierre Klossowski, fue un filósofo influenciado
por los escritos del Marqués de Sade.
Balthus empezó a pintar siendo adolescente y su trabajo fue admirado
por escritores como André Breton, Albert Camus y por colegas como
Pablo Picasso. Su círculo de amigos en París incluía al novelista
Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos Josef Breitenbach y Man Ray, el
dramaturgo Antonin Artaud, así como los pintores André Derain, Joan
Miró y Alberto Giacometti, con quienes protagonizó enriquecedores
intercambios de ideas.
Pasó la mayor parte de su vida en Francia. En 1953 se mudó al
castillo de Chassy, casa veraniega donde maduró su estilo y vieron
la luz algunas de sus obras maestras, como El cuarto, influenciada
por las novelas de su hermano, y La calle, pintura que hoy forma
parte del acervo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1964 se instaló en Roma, donde fue nombrado presidente de la
Academia Francesa en esa ciudad. Ahí trabó amistad con el realizador
de cine Federico Fellini y con el pintor Renato Guttuso.
Entre 1961 y 1978 fue consejero especial de André Malraux, entonces
ministro de Cultura en el gobierno de Charles de Gaulle.
De su primer matrimonio, con la suiza Antoinette von Wattenwyl,
Balthus procreó dos hijos, Stachou y Thadée. En 1967 contrajo
segundas nupcias con una japonesa 35 años menor que él e hija de una
familia de samuráis.
En 1977 se trasladó a Rossinière, Suiza, donde radicó hasta su
muerte (ocurrida el 18 de febrero de 2001), con su segunda esposa,
Setsuko, también pintora.
Balthus fue el único artista que en vida tuvo obras en el acervo del
Museo del Lou-vre, la mayoría provenientes de la colección privada
de Picasso, donada a ese recinto.
Sus pocas pinturas vendidas alcanzaron los precios más altos para
artistas vivos: hasta 2 millones de dólares en subasta. El resto
forma parte de diversos museos de arte en Estados Unidos, Francia,
Suiza, Gran Bretaña y Japón.
El Museo de Arte Moderno de la ciudad de México exhibió hace algunos
años un estudio al óleo para su obra El sueño.
En 2003 Setsuko echó a andar la Fundación Balthus, con sede en Suiza,
que se ha encargado, desde entonces, de promover la obra del artista
por el mundo.
La hipocresía de Estados Unidos
Balthus tachaba a Estados Unidos de hipócrita, al igual que a los
críticos por opinar erróneamente acerca de sus pinturas de niñas (en
nuestro país, a la hora de su muerte, se le asoció de manera
irreflexiva con Lewis Carroll).
“Realmente no entiendo la incapacidad de la gente para captar las
diferencias esenciales entre erotismo o sexualidad y pornografía.
Por ejemplo, la industria publicitaria es pornográfica,
especialmente la de Estados Unidos, donde se ve a una jovencita
poniéndose un producto de belleza en la piel como si tuviera un
orgasmo”, explicaba Balthus.
“Inmoral”, “escandaloso” y “perverso” fueron algunos de los
adjetivos de quienes intentaron, sin éxito, descifrar la “rareza” en
la obra de Balthus.
El diario The New York Times recordó, con motivo de la muerte del
pintor, que artistas serios como Bruce Nauman, Wayne Thiebaud y Roy
Lichtenstein “apreciaron la delicada elegancia de la obra de Balthus,
más enigmática que explícita”.
El “legado estadunidense” de Balthus, añadía el crítico de arte
Michael Kimmelman, “es una ilustración de nuestro propio puritanismo
e hipocresía cultural en los que estamos envueltos. Como muchos
europeos, Balthus encontró ridícula la creencia estadunidense de que
el arte es una ocupación moral”.
Preferencia por el anonimato
Admirado por las escenografías que realizó en Francia para obras de
Shakespeare, Camus y la ópera de Mozart Cosi Fan Tutte, Balthus
escribió en sus memorias: “pintar es salir de ti mismo, olvidarte,
preferir el anonimato y correr el riesgo, a veces, de no estar de
acuerdo con tu siglo y con los tuyos”.
Animado por ese espíritu, produjo unos 300 lienzos e innumerables
dibujos, obra definida por el poeta René Char como “el verbo en el
tesoro del silencio”.
En Balthus, afirmaba su amigo Fellini, el tiempo es inalterable.
Quizá por ello al pintor le gustaba jugar con su edad: nació en año
bisiesto, justo el 29 de febrero, por lo cual afirmaba, poco antes
de morir, ser veinteañero, pues sólo cada cuatrienio sumaba un año a
su cuerpo y mil a su espíritu: “nací en el siglo XX, pero pertenezco
mucho más al XIX”, decía.
Hoy, a un siglo de su llegada a este mundo, recordamos al “gran
señor luciferino”, el “eremita de la luz”, quien hasta el último día
cumplió su palabra: “Si me retirara de la pintura, sería como
retirarme de la vida, del esplendor único, de la belleza a la que
Dios me ha enviado”.
*Museo Nacional de Arqueología y Etnología - PRENSALIBRE -
Por lucía herrera
Por ser cuna de la civilización maya, Guatemala, tiene una colección
de arte pre-hispánico invaluable. Parte de ésta se muestra y
resguarda en el Museo Nacional de Arqueología y Etnología, Munae,
que en sus tres mil metros cuadrados de exhibición y mil 500 de
conservación y restauración cuenta con una colección de 20 mil
piezas arqueológicas y 5 mil etnológicas, lo que lo convierte en uno
de los mejores de la región.
En el país, los museos surgieron en 1796 bajo el nombre de Gabinete
de historia natural, que funcionó hasta 1801. En 1831 se emitió un
decreto gubernativo para crear un museo de ciencias y arte, pero fue
hasta 1866 que se inauguró el primero conocido como Museo de la
Sociedad Económica de Amigos del País, ubicado donde hoy se
encuentra el Congreso de la República. Este funcionó hasta 1881.
Luego, el 30 de junio de 1898, se ordenó la creación oficial del
Munae para solemnizar el XXVII aniversario de la Revolución Liberal
de 1871. Las instalaciones se ubicaban en el Palacio de la Reforma,
el cual fue destruido en los terremotos de 1917 y 1918. El museo
volvió a funcionar de 1921 a 1926 en la antigua iglesia El Calvario,
y en 1931 se trasladó al Salón de Té, del Parque Zoológico La
Aurora.
Finalmente, en 1946 se trasladó al Salón 5 de la finca La Aurora,
donde se encuentra actualmente, en terrenos donde se realizaba la
Feria de Noviembre en honor del presidente Jorge Ubico. Entre 1946 y
1948 las instalaciones fueron arregladas para las exhibiciones y
abrió al público en septiembre de 1948.
Después del terremoto de 1976 se elaboró el guión museológico a
partir de la remodelación de las vitrinas de exposición, las cuales
permanecieron hasta 2006 en el área arqueológica y actualmente en el
área etnológica.
Cada año el museo recibe a 120 mil personas aproximadamente, de las
cuales el 60 por ciento son estudiantes y el resto extranjeros y
guatemaltecos.
Las exhibiciones
El museo
cuenta con una amplia colección. “Tenemos todo el material que sale
de las investigaciones y de los proyectos arqueológicos”, dice la
directora, Claudia Monzón.
“Cuando encuentran una nueva pieza, primero la investigan por dos o
tres años. Al terminar, entregan el material al Ministerio de
Cultura y Deportes, y ellos nos lo entregan a través del Instituto
de Antropología e Historia. La colección etnológica vino en su
mayoría de lo que era el Museo de Bellas Artes”, agrega.
El área de exhibición es de tres mil metros cuadrados. En ella están
divididos cronológicamente los tres períodos de la civilización maya:
Pre-clásico, Clásico y Posclásico.
“Desde que remodelamos la parte arqueológica en 2006 escogimos el
color amarillo como un hilo conductor en todo el museo. Luego,
elegimos el azul para el período Pre-clásico, rojo para el Clásico y
verde para el Posclásico”, comenta Monzón.
En cada período se muestra a través de diversas piezas la forma en
que vivían los mayas y los trabajos específicos que hacían.
“Proponemos -agrega la directora- agricultura, arte, arquitectura y
religión. Además se hace hincapié en los sitios que tuvieron
desarrollo dentro de ese período”.
El guión museológico fue elaborado directamente por arqueólogos
investigadores que trabajaron directamente en los sitios.
Los servicios
Actualmente
el museo cuenta con un equipo de 30 personas, entre el área técnica
y administrativa, que forman parte de la Subdirección Nacional de
Museos.
Además de las exhibiciones, el recinto cultural tiene una biblioteca
de aproximadamente tres mil volúmenes relacionados con arqueología e
historia.
Hay una maestra guía que atiende a los estudiantes y extranjeros,
con cita previa.
Existe un área de trabajo de conservación, registro y restauración
de piezas, la cual fue remodelada con ayuda de la Embajada de Japón
en 2005. Además, hay una tienda de libros arqueológicos y diferentes
recuerdos sobre el museo.
Otras actividades
Además de
las exposiciones permanentes, la institución tiene dos salas para
exposiciones temporales que varían una o dos veces al año.
También tiene una política de préstamo de piezas para muestras en el
extranjero. Actualmente hay piezas en Japón, Alemania, Francia y
acaba de regresar una colección de Suecia.
El museo organiza anualmente el Simposio Nacional de Arqueología, en
el cual se ponen en común los descubrimientos y hallazgos de la
mayor parte de arqueólogos nacionales y extranjeros que trabajan en
el país. Los resultados de la actividad se publican en un libro.
Según Claudia Monzón, los proyectos del museo se planifican
anualmente. En el 2007 el mayor cambio visible al público fue la
inauguración de la Sala de Clásicos. Para este año los proyectos
estarán enfocados para trabajos de escritorio y planificación
principalmente en el remozamiento del área etnológica.
*Exhiben desde mañana exposición sobre historia del 'Guernica' de
Picasso - TERRAESPANA
El Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Panamá exhibirá desde mañana,
jueves, 'Pablo Picasso Guernica.
Historia de un Cuadro', una exposición itinerante que mediante
paneles y textos literarios cuenta la creación e historia de esta
obra maestra.
El MAC informó de que la exposición, auspiciada por la Cooperación
Española y la Embajada de España en Panamá, con motivo de cumplirse
los 25 años del 'regreso' del Guernica a Madrid, estará colgada en
sus salas hasta el 17 de marzo próximo.
Portátil, de fácil transporte y montaje, la exposición se adapta a
cualquier tipo de espacio, tanto interior como exterior, según
explicó el Museo, al presentar la muestra.
Concebida por Gonzalo Armero, responsable de una edición del cuadro
en la revista Poesía en 1993, la exposición se concentra en 30
paneles en los que se reproducen seis fotografías hechas por la
fotógrafa, poetisa y pintora francesa Dora Maar (1907-1997), alias
de Theodora Markovic.
También contiene la historia del Guernica, desde que fue encargado
al pintor español Pablo Picasso (1881-1973) por el Gobierno de la II
República española en 1937, hasta que volvió a Madrid, en 1981, e
incluye una reproducción del Guernica de 3,40 x 1,60 metros.
La muestra, que llega a Panamá procedente de Uruguay y luego
regresará a Madrid para viajar a Camerún, reúne una selección de los
detalles del cuadro ilustrados con textos literarios.
Picasso pintó en 1937 el 'Guernica', su obra más conocida y una de
las piezas más relevantes de la historia del arte, que nació de la
indignación del artista al conocer el bombardeo de la ciudad vasca
de Guernica en abril de 1937 por la aviación alemana durante la
Guerra Civil española (1936-39).
La reacción de Picasso fue tan fuerte que le empujó a trabajar
febrilmente en este gran mural, convertido en una contundente
denuncia de la barbarie de la guerra.
Además de la exposición del Guernica, el MAC exhibirá desde mañana
una colección de obras pictóricas donadas por la Cervecería
Nacional-Sab Miller.
Estas obras de arte provenientes en su mayoría de las Bienales de
Arte en Panamá y de otras colecciones de artistas panameños, pasará
a formar parte de la Colección Permanente del Museo.
Esta muestra estará abierta a todo público durante seis semanas,
período en el cual se realizarán programas educativos relacionados
con las obras con universidades, escuelas privadas y públicas.
El Museo de Arte Contemporáneo de Panamá celebrará en septiembre
próximo la octava edición de la Bienal de Arte, el certamen de mayor
prestigio que celebra el MAC desde 1992, con el apoyo y patrocinio
de la empresa privada, así como de la Embajada de España y la
Cooperación Española en los últimos años.
*OQO Editora se convierte en la primera editorial gallega que
consigue la 'Mención de Honor' de la Feria de Bologna -
TERRAESPANA
'El gran libro de los retratos de animales', del sello gallego 'OQO
Editora', ha sido galardonado con una 'Mención de Honor' en la Feria
del Libro Infantil de Bologna (Italia), uno de los más importantes
galardones del mundo en el campo de la Literatura Infantil y Juvenil.
De este modo, se convierte en la primera editorial gallega que
consigue esta distinción. El premio será entregado el próximo 31 de
marzo en esta ciudad italiana
El libro
galardonado está escrito e ilustrado por Svjetlan Junakovic. Editado
en tapa dura, se encuentra dentro de la colección OQART. Esta obra
ha si editada por el sello pontevedrés en gallego, castellano,
inglés, francés y portugués y fue el título con el que OQO Editora
inauguró la colección de arte para niños: 'OQART'.
Este
importante reconocimiento se suma al Primero Premio al Libro mejor
Editado de 2007 en la categoría de Libros Infantiles, que recibió
esta misma obra el año pasado, entregada por el ministro de Cultura,
César Antonio Molina en la feria LIBER en Barcelona.
El jurado,
reunido en Bologna, estuvo formado por Antonio Faeti (Profesor de
Literatura Infantil de la Universidad de Bologna, Italia), Dorothée
Charles (miembro del Musée des Arts Décoratifs, Paris, Francia) y el
diseñador español Manuel Estrada.
El jurado
destacó con este premio la poética de la narración visual, la
sutileza del sentido del humor y que, a su juicio, hace revisar la
historia del arte a través de la 'imaginación y la fantasía' creando
'un museo como ningún otro existió'. Asimismo, resaltaron la 'exquisita
elegancia' de cada imagen, la técnica del ilustrador y 'la belleza'
de la edición.
El galardón
se añade también al concedido por la Fundación Espace Enfants de
Suiza a la obra Chocolata, que por primera vez en su historia había
recaído en una editorial del Estado. También se suma al Segundo
Premio a las Mejores Ilustraciones concedido en el 2006 la otra obra
de OQO Editora: 'La princesa que bostezaba a todas horas', ilustrado
por Elena Odriozola y escrito por Carmen Gil y al Tercer Premio al
Libro Mejor Editado, otorgado a la obra Celestino Locas, en ese
incluso año.
A raíz de este premio, la editorial recordó su apuesta por el álbum
ilustrado de producción propia, por la existencia de un espacio de
creación para autores e ilustradores, 'buscando jóvenes propuestas
que recogen diferentes sensibilidades artísticas'.
60 TITULOS EN CINCO IDIOMAS.
Así, OQO Editora incidió en que, como proyecto editorial, apuesta
por la calidad en la edición: encuadernación en cartoné e
ilustraciones a color, 'buscando que cada libro sea único, diferente'.
En los casi tres años de vida, son ya más de 60 títulos los que la
editora pontevedresa ha editado en gallego, catalán, castellano,
portugués, francés e inglés.
Actualmente, las imágenes originales de 'El gran libro de los
retratos de animales' se encuentran expuestas en la Fundación
Municipal de Cultura de Gijón, Asturias, después de pasar por
Barreiro, Portugal, en la sede de Ilustrarte, y en 'Leer León', la
feria de Literatura Infantil de León. Asimismo, el libro protagonizó
en el centro de Arte Contemporáneo del Centro Cultural de Belem, en
Lisboa, una semana de actividades y talleres plásticos para niños.
*Segunda conferencia sobre historia del arte virreinal mexicano -
CANAL10.COM.MX
Se llevó a cabo la segunda conferencia mensual sobre Historia del
Arte Virreinal Mexicano, que imparte el Profesor Benjamín Torres
Vargas en la Casa de la Cultura, esto gracias al apoyo del Instituto
de Cultura del Estado de Durango (ICED) y el Voluntariado Cultural
de Durango A.C.
Torres Vargas, habló sobre la Arquitectura Barroca en los siglos
XVII y XVIII, inició su participación exponiendo los antecedentes de
esta corriente artística y abordó cada una de las facetas de la
misma.
Además
señaló lo polémica que resulta ser la palabra barroco, definiéndola
como algo que no está perfectamente hecho, irregular, asimismo
agregó que esta corriente se caracteriza por la abundancia de
ornamentos pero con orden.
También
destacó que en América, tras la conquista española, el lenguaje del
barroco se desarrolló en forma importante enriqueciéndose con la
mano de obra y los conceptos propios de la arquitectura, como el uso
extensivo de colores brillantes, destacándose en forma especial el
barroco mexicano.
Habló sobre
las fases de barroco en México, sobre el barroco estípite, el
renacentista, salomónico y ejemplificó con fotografías cada uno de
los estilos.
Torres
Vargas, recalcó la importancia que tiene el barroco en el turismo
cultural en México así como el valor del trabajo de los mexicanos e
indígenas en la transformación de la Arquitectura barroca en nuestro
país.
¿Qué arte?
Territorios de incertidumbre - INE.ES - TERRAESPANA
RUBÉN SUÁREZ Qué arte?». Ése es el título de la exposición que
Soledad Álvarez y Natalia Tielve han comisariado con motivo del
400.º aniversario de la Universidad de Oviedo. Se completa con un
subtítulo-respuesta: «Discurso sin fronteras», porque la exposición
reúne la obra de varios interesantes artistas jóvenes, algunos ya
consolidados, que parten de discursos conceptuales y cultivan
modalidades expresivas diferentes por lo que nos sitúan, se dice en
el folleto que acompaña a la muestra, «ante diferentes
posicionamientos sobre la identidad, sobre el proceso creativo,
sobre lo público y sobre lo íntimo; pero, ante todo, sobre el arte
en sí mismo». En el mismo texto se puede leer que «en el arte
asturiano, la versatilidad, el mestizaje, lo interdisciplinario y la
incertidumbre constituyen los territorios por los que transitan
nuestros jóvenes creadores», lo que no digo que no responda a la
realidad, pero también es verdad que hay otros caminos no tan
carentes de definición y certezas por los que, asimismo, transitan
algunos jóvenes creadores asturianos, algunos de ellos incluidos en
la exposición, y que dan como fruto «poéticas creativas», como ahora
se dice, de inalterable subjetividad y consolidada madurez.
Pero me voy a quedar con eso del «transitar el arte asturiano por
caminos de incertidumbre», pidiendo de antemano perdón por tomar el
rábano por las hojas por cuanto lo voy a utilizar en otro sentido en
el que adquiere quizá mayor transcendencia y significación. Viniendo
a lo primero: ¿qué arte? Es decir, ¿de qué hablamos en Asturias
cuando hablamos de arte?
Hace ya muchos años, y en el curso de una breve entrevista que
mantuve en Arco con el que era por entonces el más famoso galerista
del mundo, Leo Castelli, éste me comentó: «¿Quién decide hoy lo que
es arte? ¿Acaso yo? Ciertamente, no. Nadie decide lo que es arte: es,
sin más. No lo hicieron ni la ininterrumpida sucesión de tendencias
que a lo largo del siglo XX pretendieron ser hegemónicas ni tampoco
Marcel Duchamp con su ocurrencia al visitar aquella exposición de
aeronaves en París: «La pintura ha muerto, ¿quién podría mejorar
esta hélice». Era el año de 1912 y aún hoy creen inventar algo
quienes lo copian.
¿Nadie decide entonces lo que es arte? En Asturias sí: suele hacerlo
la autoridad competente, y de muy diferentes maneras. Por ejemplo,
decidiendo sembrar de esculturas-champiñón una ciudad. También, y
por su superior criterio, acabando con la ejemplar tradición
cultural de una institución que fuera una de las pocas luces-guía
para el arte plástico asturiano durante décadas y luego referencia
ejemplar por sus importantes exposiciones de creadores regionales,
nacionales o internacionales, renunciando a ser «Cajaforum», en su
medida, para limitarse a programaciones ocasionales, ajenas o cuando
propias a menudo de muy dudoso interés. En otros casos, porque las
escasas y cicateras iniciativas de cosmético apoyo al arte y a los
artistas asturianos obedecen casi siempre a lo ocasional, a lo
acomodaticio, sin criterios rigurosos ni política cultural coherente.
Y finalmente porque parece haber renunciado Asturias definitivamente
a la posibilidad de crear un centro o museo de arte contemporáneo
como Dios manda y en todas las regiones tienen para alojar una
colección propia que enriquezca nuestro patrimonio y pueda contar,
con las limitaciones que sea, la historia del arte asturiano y
español que hemos vivido y estamos viviendo en nuestro tiempo, pero
también para dotar a la sociedad, sí, al pueblo, de un espacio para
la reflexión y el conocimiento, equipado con los elementos y la
metodología necesarios para facilitar las claves que le permitan
entender y apreciar el arte contemporáneo y para que nuestros
artistas puedan integrarse en él, ampararse en él y enriquecerse con
él. ¿Es que no hay «una clara demanda social» para esto? Dudo de que
la haya para dedicar grandes recursos a la costosa, visionaria e
innecesaria tarea de mostrar caminos de lúdica promoción de nuevas
posibles tecnologías en el arte al resto del mundo y teorizar sobre
las confusas fórmulas del «arte experimental», para un futuro sin
memoria.
Así las
cosas, seguiremos viajando no ya a Madrid, Barcelona, Valencia o
Bilbao, sino a Vigo, Valladolid, León, Palencia o Vitoria, entre las
decenas de destinos posibles a lugares donde en vez de
incertidumbres existe la voluntad expresa de crear «un museo del
presente», como se anunció el Musac, y buscar ingresos en distintos
ámbitos institucionales y privados para programar un plan eficaz de
promoción del arte actual, gracias a lo cual podemos disfrutar de
sus colecciones o de las excelentes exposiciones que justifican el
desplazamiento. En cuanto a los artistas, espero que, como ha
sucedido, tengan la suerte de que el dueño de una multinacional del
arte o una galerista parisina repare en su obra en Arco, ahora ni
eso, un marchante se tropiece con sus creaciones en Miami o ganen
algún certamen nacional de prestigio.
Dicho lo
anterior, y reiterando las disculpas por tan amplia y supongo que
inútil digresión, es muy justo recomendar la visita a la exposición
«¿Qué arte? Discursos sin fronteras», que da la oportunidad de
mostrar sus obras a varios artistas jóvenes, sólo hasta hoy en el
edificio histórico de la Universidad, pero hasta el 23 de marzo en
la sala del Banco Herrero, donde hay propuestas de mucha entidad
artística, como lo es la pieza verdaderamente excepcional que
ilustra estas líneas, titulada «Hoguera» y creada por Mercedes Cano
y Antón Sobrino. Pero debemos convencernos de que una respuesta
satisfactoria de la sociedad a la pregunta ¿qué arte? pasa por la
educación en el arte y desde el principio.
*Una muestra recoge la evolución del arte alavés de finales del
siglo XX - TERRAESPANA
La Sala Fundación Caja Vital acoge la muestra 'Dispositivos-Disposiciones',
que recopila obras de distintas disciplinas artísticas producidas en
Álava durante las dos últimas décadas del siglo XX, con el objetivo
de provocar un análisis de una época caracterizada por los cambios
políticos.
Una muestra recoge la evolución del arte alavés de
La
exposición, que permanecerá abierta hasta el 17 de abril, está
enmarcada dentro del proyecto de arte contemporáneo 'Co(n)parada',
promovido por la entidad.
A través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones,
pretende aproximar al público los antagonismos sociales reflejados
en las corrientes artísticas más influyentes en el territorio en los
ochenta y los noventa.
El objetivo de la muestra es provocar el debate en torno a la
cultura de esa época, en la que el arte no escapó a la influencia de
los cambios políticos y socio-económicos.
Así, la exposición recopila obras de Juncal Ballestín, Daniel
Castillejo, Iñaki Cerrajería, Jorge Girbau, Fernando Illana o
Prudencio Irazábal.
El director del proyecto 'Co(n)parada', Fernando Illana, ha
explicado en la presentación de la muestra que el punto de partida
de las obras son los sucesos del 3 de marzo de 1976, en los que
cinco obreros murieron al irrumpir los cuerpos de seguridad en una
asamblea de trabajadores.
Según ha indicado, durante las décadas de las que provienen estas
obras comenzó 'una nueva manera de entender el arte y su relación
con la sociedad'.
También dentro de marco de 'Co(n)parada', se realizarán otras dos
actividades paralelas. Por un lado, el 28 de marzo, el artista
vitoriano Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia titulada 'Descomposición'.
Junto con ésta, el zaragozano Fernando Sinaga impartirá un taller
dirigido a creadores en activo y a alumnos de Arquitectura,
Filosofía, Bellas Artes o Historia del Arte.
Con el título 'Neocórtext. La visión alterada', este escultor
tratará de transmitir un nuevo concepto de percepción basado en
parámetros visuales y en los pensamientos inconscientes e imágenes
mentales surgidas de manera involuntaria y que interfieren en la
creación artística.
El taller se celebrará entre el 14 y el 18 de abril en la Sala
Fundación Caja Vital.
*Simposio
internacional en torno a Velázquez
La Fundación
Focus reúne del 10 al 12 de marzo a una treintena de expertos en la
obra del pintor hispalense - DIARIODESEVILLA.ES
El simposio internacional En torno a Santa Rufina: Velázquez de lo
íntimo a lo cortesano contará con la intervención de una treintena
de expertos en la obra del pintor hispalense. El simposio, el
primero que organiza el Centro de Investigación Diego Velázquez, se
celebrará entre los días 10 y 12 del próximo mes en la Iglesia del
Hospital de los Venerables de Sevilla, sede de la Fundación Focus-Abengoa,
entidad que compró el cuadro Santa Rufina, cedido luego al
Ayuntamiento.
Los expertos del panorama nacional e internacional participarán en
debates sobre la composición de Santa Rufina, la restauración que ha
tenido el lienzo y su comparación con el resto de obras de
Velázquez. También se analizará el ideario femenino que el artista
sevillano adquirió durante su formación y luego plasmó en sus obras.
Asimismo, se estudiará la iconografía de Santa Rufina, patrona de
Sevilla junto a Santa Justa, y se abordará la historia de este
cuadro de Velázquez y su paso por diversas colecciones.
El simposio, coordinado por Benito Navarrete Prieto, contará, entre
otros, con la participación de Carmen Garrido, jefa del gabinete
técnico del Museo del Prado; Peter Cherry, del Departamento de
Historia del Arte del Trinity Collage, de Dublín; y Javier Portús,
conservador del Museo del Prado. También intervendrán Tom Burns,
periodista y escritor; Fernando Marías, de la Universidad Autónoma
de Madrid, y Karin Hellwig, del Zentralinstitut für Kunstgeshichte,
de Munich (Alemania).
La asistencia a las ponencias será libre hasta completar aforo, y
los alumnos de la Universidad Hispalense de Sevilla y de la
Universidad Pablo de Olavide podrán convalidar su asistencia a este
simposio por créditos de libre configuración.
Las jornadas se celebrarán en paralelo a la exposición que, con el
mismo nombre, ocupará la sala principal de exposiciones de la sede
de Focus-Abengoa, en el Hospital de los Venerables (barrio de Santa
Cruz) y en la que se podrá contemplar la Santa Rufina atribuida a
Velázquez.
Los espectadores podrán contemplar otros tres lienzos del pintor,
como La Imposición de la casulla de san Ildefonso, Sibila e Infanta
Doña María reina de Hungría, los dos últimos cedidos por el Museo
del Prado.
*Comparada revisa el arte contemporáneo alavés de los años 80 en una
amplia muestra
Casi 40
artistas participan en esta exposición
Este es el primer paso de un proyecto que se alargará durante dos
años y que tendrá diferentes vertientes
NOTICIASDEALAVA.COM
Vitoria. A veces es bueno mirar atrás para ver lo que se hizo con
ojos actuales y reflexionar sobre evoluciones, cambios y líneas
establecidas. Bajo ese prisma, se puso en marcha hace unos meses la
plataforma Conparada, un impulso de Fernando Illana con el apoyo de
Caja Vital y la colaboración del centro cultural Krea. Porque el
presente está relacionado de forma estrecha con el pasado y es el
pilar para el futuro, se está llevando a cabo una intensa labor de
documentación, recopilación y muestra del arte alavés desde los años
80 hasta casi la actualidad, un trabajo que ha empezado a
cristalizar de diferentes formas pero que todavía dará muchos más
frutos.
Esta concreción, de cara al público, se va a traducir en dos
exposiciones en las que, sin ánimo de hacer una historia de nada, se
mostrará al espectador de hoy lo que sus conciudadanos artistas han
ido produciendo en las últimas décadas. La primera de estas muestras,
que va desde 1982 hasta 1992, se abrió ayer en la sala Fundación
Caja Vital y allí permanecerá hasta el próximo 17 de abril bajo el
título dispositivos. Disposiciones . La siguiente abarcará lo hecho
entre 1993 y 2003.
Además, y de forma paralela, está prevista la realización de
talleres, conferencias y actuaciones diversas, al tiempo que se
sigue construyendo una base documental sobre el objeto de análisis,
y se preparan dos publicaciones que dejarán testigo de todo lo
andado en este proyecto impulsado desde el mismo sector creativo
alavés.
Mirada En ningún caso, la exposición inaugurada ayer pretende ser
una retrospectiva, sino un acercamiento a una nueva época del arte
alavés, influenciado tanto por los acontecimientos cercanos como por
la apertura al exterior, y la relación que estos creadores y sus
obras tuvieron con el contexto social del momento.
Aunque la muestra comienza su recorrido en 1982, sus responsables
han querido señalar un hecho anterior como básico a la hora de
entender qué pasaba, también en lo creativo, en el territorio. Y es
que, como señaló Illana, un acontecimiento como los asesinatos del 3
de marzo de 1976 tuvieron un peso específico. Por ello, aquellos
sucesos se rememoran aquí a través de una serie de fotografías de
Luis Ziarrusta.
Estos acontecimientos, la actividad de las salas San Prudencio,
Amárica y Trayecto, la unión de los creadores para boicotear la
Bienal de Pintura del Ayuntamiento de Vitoria y el nacimiento de la
Asociación de Artistas Alaveses se sitúan aquí como el marco preciso
en el que, tras la dictadura, se empiezan a mover nuevos aires.
De este modo, pintura, escultura, instalación, vídeo, cómic, y
fotografía se reparten y se funden a lo largo del recorrido
propuesto en el Aula Fundación Caja Vital, mostrando en ocasiones
temáticas, técnicas e intenciones que pueden parecer muy distintas
pero que, por lo menos, tienen dos cosas en común: la procedencia de
sus autores o el territorio en el que residieron y la época en las
que fueron materializadas.
"No pretendemos hacer una retrospectiva, ni decir si lo de antes era
mejor o peor. Es una mirada desde la actualidad hacia lo que se ha
hecho, siendo tan válido como lo de hoy", describió Illana, quien
además recordó que "de esto venimos y bebemos".
Desde el primer fancine hecho por Mauro Entrialgo hasta las obras de
unos jóvenes Iñaki Cerrajería o Jorge Girbau, la exposición muestra
piezas significativas de la labor de casi 40 artistas y colectivos,
cuyas creaciones vienen, por ejemplo, de Artium, los fondos de Caja
Vital o el Museo Vostell de Malpartida (Cáceres).
Pero el recorrido no es un simple escaparate de lo que fue. Pretende
atravesar el cristal para hablar de la cultura pero también de su
relación con la política, con los cambios sociales y con las
transformaciones económicas, todo ello para observar que, en contra
de lo que algunos piensan, arte y ciudadano no están alejados.
Actividades paralelas Está previsto que el proyecto se desarrolle a
lo largo de dos años y que su experiencia sirva como referencia para
el diseño de Krea. De todas formas, la propuesta no se queda sólo en
la apertura de dos exposiciones. Intenta ir más allá.
Así por ejemplo, el escultor Fernando Sinaga, que durante 20 años
residió en Gasteiz, será el encargado de dirigir el taller Neocórtex,
un intento por verbalizar el proceso del artista de selección y
creación a través de una serie de juegos a los que se invita a los
participantes en esta experiencia que se llevará a cabo en abril.
Además, el autor Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia el 28 de
marzo en la sala Luis de Ajuria con la intención de adentrarse en
los mecanismos del arte y su vinculación e incluso aprovechamiento
de la realidad de cada época. También el crítico Fernando Castro
acudirá a la capital alavesa para ofrecer una charla, aunque todavía
se está pendiente de cerrar una fecha.
De todas formas, el trabajo que se ha marcado Conparada es una labor
a largo plazo que se irá desarrollando a lo largo de los próximos
meses y que también tendrá su influencia en la construcción
filosófica de la actividad que, con su nueva sede en marcha, tendrá
el centro cultural Krea.
*Diversas intervenciones durante la ceremonia de
Inauguración de la Exposición "Isis y La Serpiente Emplumada"
- PRESIDENCIA.GOB.MX
Ciudad de México.
"Si recordamos que los pueblos originarios de América fueron durante
decenas de miles de años un desarrollo cultural independiente del
resto de la humanidad, no es de asombrar que los primeros
colonizadores europeos, al presenciar una civilización que les era
extraña, buscaran para entenderla un paralelismo con las antiguas
culturas orientales". Lic. Alfonso de Maria y Campos, Director del
Instituto Nacional de Antropología e Historia.
"Es con la aceptación de la diferencia, más que la semejanza, como
se abre la posibilidad de encontrar verdaderos valores y símbolos
que puedan apelar a toda la humanidad, pues ellos están asentados en
la diversidad que nos caracteriza". Lic. Alfonso de Maria y Campos,
Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
"Como usted
sabe, esta gran exposición nació en el Fórum Universal de las
Culturas de Monterrey, y por ello debo agradecer al Gobierno del
Estado de Nuevo León y a su titular, porque haya sido posible
también extender esta muestra a la ciudad de México". Lic. Alfonso
de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e
Historia.
"En suma,
este es el sentido profundo que alienta el proyecto de grandes
civilizaciones que promueve el Instituto: establecer un puente entre
los pueblos de las más diversas latitudes, para que la cooperación y
el desarrollo entre ellos esté asentado en el conocimiento de
nuestras respectivas herencias culturales". Lic. Alfonso de Maria y
Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
"Esta
reunión es también una prueba de la homogeneidad y el paralelismo
que existe entre nuestras dos naciones; de hecho, impresionan las
semejanzas de la Pirámide de El Sol y las pirámides de Egipto,
considerando que las mismas representan una fuente de inspiración
para la humanidad y se asemejan por su inspiración religiosa, y
porque inspiraron a sus hijos a alcanzar metas maravillosas". Sr.
Farouk Hosny, Ministro de Cultura de la República Árabe de Egipto.
-MODERADOR: Hace uso de la palabra el ciudadano licenciado Alfonso
de Maria y Campos, Director del Instituto Nacional de Antropología e
Historia.
-LIC. ALFONSO DE MARIA Y CAMPOS: Muy buenas noches.
Licenciado Felipe Calderón, Presidente Constitucional de los Estados
Unidos Mexicanos; licenciada Margarita Zavala de Calderón;
embajadora Patricia Espinosa, Secretaria de Relaciones Exteriores;
licenciada Josefina Vázquez Mota, Secretaria de Educación Pública.
Señor Farouk Hosny, Ministro de Cultura de la República Árabe de
Egipto; doctor Zahi Hawass, Secretario General del Consejo Supremo
de Antigüedades de Egipto; señor Houssam Eldin Elhefny, Embajador de
la República Árabe de Egipto.
Maestro Sergio Vela, distinguidos miembros del presídium,
patrocinadores, señoras y señores:
Si recordamos que los pueblos originarios de América fueron durante
decenas de miles de años un desarrollo cultural independiente del
resto de la humanidad, no es de asombrar que los primeros
colonizadores europeos, al presenciar una civilización que les era
extraña, buscaran para entenderla un paralelismo con las antiguas
culturas orientales.
Pronto la intelectualidad de occidente, especialmente los jesuitas,
intentó descubrir símbolos morales y religiosos comunes a todos los
pueblos; con ello pretendieron fundar una nueva ecúmene que
incluyera, incluso, a vastas comunidades que eran ajenas a las
raíces históricas del Viejo Continente.
No es sorprendente, entonces, que la búsqueda por develar una
secreta relación entre el antiguo Egipto y las culturas
mesoamericanas tuviera una muy temprana data.
Ya Felipe de Guevara, en su célebre Comentarios de la Pintura,
escrito durante la primera mitad del Siglo XVI, imaginaba una oculta
comunión entre los jeroglíficos y las técnicas clásicas de los
habitantes originales de lo que en ese momento se conocía como la
Nueva España ya.
Si hoy sabemos que tal correspondencia era tan sólo un espejismo, es
gracias al trabajo infatigable realizado por generaciones de
arqueólogos e historiadores, muchos de ellos que han trabajado por
casi 70 años en el Instituto Nacional de Antropología e Historia y
por nuestra contraparte egipcia en el Consejo Supremo de
Antigüedades.
Por estas razones, Isis y la Serpiente Emplumada no pretende ocultar
o velar los contrastes entre ambas civilizaciones; ni, en un juego
de historia comparada, magnificarlos. En cambio, lo que ustedes
presenciarán dentro de unos momentos, cuando entren a la salas de
este espléndido museo, será el despliegue que mucho tiene de
portentoso, de lo que es capaz la creatividad humana cuando se
enfrenta a retos, condiciones y tiempos diferentes.
Es con la aceptación de la diferencia, más que la semejanza, como se
abre la posibilidad de encontrar verdaderos valores y símbolos que
puedan apelar a toda la humanidad, pues ellos están asentados en la
diversidad que nos caracteriza.
Dos ciclos míticos, el de Isis y Osiris, por un lado, y el de
Quetzalcóatl del antiguo México, fueron la semilla de la cual
surgieron dos matrices civilizatorias que produjeron extraordinarias
obras de arte, expresión de dos formas distintas de enfrentar ese
momento que les tocó en suerte.
Y es porque somos distintos, que los pueblos buscan complementarse a
través de mecanismos que propicien el intercambio cultural. Éste es,
precisamente, otro de los aspectos de Isis y la Serpiente Emplumada
que esta noche quería resaltar entre ustedes.
En marzo de este año, las relaciones diplomáticas entre México y la
República Árabe de Egipto cumplen medio siglo, y no creo que exista
un mejor marco para iniciar la conmemoración de esta fecha que esta
exposición, resumen de algunas de las mejores creaciones que han
realizado nuestros pueblos.
Señor Presidente:
Como usted sabe, esta gran exposición nació en el Fórum Universal de
las Culturas de Monterrey, y por ello debo agradecer al Gobierno del
Estado de Nuevo León y a su titular, porque haya sido posible
también extender esta muestra a la ciudad de México.
Asimismo, deseo destacar y agradecer el patrocinio de que ha sido
objeto esta magna muestra en nuestra capital, por parte de Fomento
Cultural Banamex, la Fundación Televisa, la Fundación Alfredo Harp
Helú y también el apoyo de la Fundación Pedro y Elena Hernández.
Merecido agradecimiento y reconocimiento también para los
investigadores, arqueólogos, curadores, restauradores, museógrafos y
trabajadores de este instituto, por cuyo profesionalismo esta
muestra ha sido materializada tanto en Monterrey como en esta
ciudad.
En suma, este es el sentido profundo que alienta el proyecto de
grandes civilizaciones que promueve el Instituto: establecer un
puente entre los pueblos de las más diversas latitudes, para que la
cooperación y el desarrollo entre ellos esté asentado en el
conocimiento de nuestras respectivas herencias culturales.
Celebremos nuestra amistad compartiendo y valorando nuestro
patrimonio.
Muchas gracias.
-MODERADOR: Toma la palabra el señor Farouk Hosny, Ministro de
Cultura de la República Árabe de Egipto.
-SR. FAROUK HOSNY: Su Excelencia Presidente Felipe Calderón.
Excelencias, señoras y señores.
Reciban nuestros saludos desde Egipto para México, el gran país
cuyas características nos permiten observar el maravilloso
paralelismo entre ambas civilizaciones, en donde Egipto y México han
sido elegidos como símbolos vivientes de prosperidad y continuidad
durante miles de años, dotando al mundo con su profunda historia y
que han enriquecido a la civilización a través del tiempo.
Esta es una reunión única entre dos civilizaciones colosales: la
civilización egipcia, que representa un puente geográfico e
histórico para el mundo y la civilización mexicana, que es una
incesante luz brillante que ilumina el hemisferio Occidente.
Esta reunión es también una prueba de la homogeneidad y el
paralelismo que existe entre nuestras dos naciones; de hecho,
impresionan las semejanzas de la Pirámide de El Sol y las pirámides
de Egipto, considerando que las mismas representan una fuente de
inspiración para la humanidad y se asemejan por su inspiración
religiosa, y porque inspiraron a sus hijos a alcanzar metas
maravillosas.
Señor Presidente:
Nos sentimos honrados de estar aquí, ahora, frente a su distinguida
presencia y entre las huellas de estas dos civilizaciones inmortales,
con el objeto de inaugurar esta exposición, que es muestra de la
íntima amistad que existe entre los dos países y que sobrepasa las
barreras geográficas existentes entre nuestras naciones.
Gracias por escucharnos y permitirles brindar a su Excelencia y al
público que nos honra con su presencia nuestros mejores deseos y
calurosos saludos.
*China. El arte que llega - ELCULTURAL.ES
No hay ninguna duda: críticos, galeristas, comisarios,
coleccionistas e incluso artistas, miran hacia China. El mercado
chino vive un momento de esplendor del que se hacen eco
instituciones occidentales de la más diversa índole. El mundo de las
subastas recauda ya más con artistas chinos que con algunos clásicos
y los nombres más conocidos ya empiezan a sonarnos. Pero para la
gran mayoría, China y su arte contemporáneo aún está lejos. Estos
días coinciden algunas interesantes revisiones de lo que allí se
realiza: Rojo aparte. Arte chino de la colección Sigg en la
Fundación Miró de Barcelona y The Real Thing: arte contemporáneo de
China en el IVAM valenciano. Jaume Vidal Oliveras ha pasado por
ambas sedes y nos acerca aquí lo mejor de los artistas chinos del
momento.
Coinciden tres grandes exposiciones que representan tres
aproximaciones muy diferentes al arte chino contemporáneo. La
primera en inaugurarse fue una de fotografía, Zhù Yì (“Atención”),
que, presentada en Artium, ahora puede verse en el Palau de la
Virreina de Barcelona y de la que ya se habló en estas mismas
páginas. A principios de febrero se abrió en el IVAM de Valencia la
muestra The Real Thing (aunque el título expresa un juego de
palabras, literalmente se traduce como “lo auténtico”). Y,
finalmente, acaba de presentarse Rojo aparte, en la Fundación Joan
Miró de Barcelona. Al margen de estas propuestas institucionales, se
han de considerar también algunas galerías privadas especializadas
en arte chino contemporáneo, como el Espace Cultural Ample de
Barcelona, que exhibe en estos momentos a los fotógrafos Cang Xin y
Li Wei, presentes en la muestra de la Zhù Yì, o la galería Dolores
de Sierra de Madrid con una muestra de Xia Xiaowan.
No deja de ser sintomática esta eclosión, tan de repente, del arte
chino contemporáneo. En ello concurren muchos y variados aspectos.
El exotismo (o, si se quiere, la atracción por lo Otro), las
expectativas que inspira este gran país ante los cambios sociales y
políticos en curso, el arte como moneda de cambio en las
transacciones comerciales con los países occidentales… Igualmente el
mercado: la necesidad de ampliar el mercado del arte por una razón
de supervivencia. Se ha dicho que China ha suplantado a Francia en
el tercer puesto del ranking mundial del mercado arte y que el arte
contemporáneo chino se ha revalorizado hasta un 400%. Lo que
sorprende es que este proceso se haya realizado de una manera tan
rápida. Pero hay algo más: a pesar del interés que ha suscitado, por
ejemplo, el arte árabe, éste no ha tenido una proyección equiparable.
Siempre se podrá aludir que las condiciones sociales y económicas no
son las mismas, pero está claro que el arte está y ha estado siempre
vinculado al poder. El expresionismo abstracto americano se impuso
tras la Segunda Guerra, entre otras cosas porque Estados Unidos fue
el país vencedor. La presencia del arte chino en bienales, museos y
galerías hace intuir la potencia que se avecina…
Las exposiciones que nos proponemos comentar, Rojo aparte y The Real
Thing, expresan posiciones divergentes. La primera es una versión
reducida y desdramatizada de la exposición Mahjong, itinerante por
diferentes museos europeos. Se trata de una selección de la
colección privada más importante de arte contemporáneo chino, la de
Uli Sigg. Diplomático y empresario suizo, vicepresidente de la
primera empresa mixta entre occidente y el país oriental, empezó a
interesarse por el arte contemporáneo chino cuando estaba
completamente descuidado e ignorado, como una manera de comprender
el país. Él mismo señala que su colección no sigue unos gustos
personales sino que busca –en sustitución de las instituciones–
reflejar la realidad artística de China. Y aunque las adquisiciones
se iniciaron a principios de los noventa, la colección Sigg abarca
un arco temporal que se sitúa entre los años ochenta y el presente.
Y, sin embargo, ¿son verosímiles las declaraciones de Sigg? Se trate
o no de su gusto personal, la pretensión de realizar una colección
institucional, de articular una narración o historia que explique la
creación contemporánea china expresa el punto de vista de un hombre
occidental. La búsqueda de lo original, de lo auténtico, o
simplemente la “esencia”, refleja la mirada del extranjero que se
dirige a lo Diferente. La selección es reveladora: en ella hay una
búsqueda, aunque sea inconsciente, de unos referentes propiamente
chinos y que muchas veces no son sino la confirmación de ciertos
estereotipos occidentales de la “chinitud”. Ya sea el realismo
socialista, ya la tradición milenaria de la cultura china, en muchas
de las obras hay una suerte de diálogo con la historia, que en las
piezas contemporáneas se traduce en forma de cita o ironía. Acaso se
hubiera podido escoger otra pieza más significativa para ilustrar
este texto, pero la serie de Liu Zheng, Las cuatro estaciones, viene
al caso porque se trata de una relectura de un episodio –entre la
leyenda y la literatura– de la historia milenaria china.
Puede que algunos artistas coincidan en una y otra exposición, pero
la propuesta de The Real Thing es completamente opuesta. Versión
reducida de la exposición organizada por la Tate de Liverpool, a
grandes rasgos se trata de una selección de piezas –algunas de ellas
realizadas por encargo– de carácter conceptual, realizadas a partir
de 2000, esto es, arte emergente. Entre las obras que me han
interesado citaría el vídeo de Cao Fei De quién es la utopía. Qué
haces aquí o la dramática instalación de Yang Fudong Al este de la
aldea Que. Ahora bien, lo que interesa señalar es que, aparte de
reunir piezas notables, la exposición se sitúa al margen de
cualquier noción de “esencia” y –tal vez– de un argumento o nexo
entre las obras. Y es que, según sus comisarios –como ha declarado
el mismo Simon Groom–, no existe, entre los artistas jóvenes, una
preocupación por lo chino en cuanto “esencia”. Él cita precisamente
al coleccionista Uli Sigg, el cual hizo una encuesta entre sus
artistas en la que les formulaba la siguiente pregunta: “Chinitud: ¿existe
tal cosa?”. La respuesta del artista Xul Zhen (que presenta en
Valencia la obra 8.848 menos 1,86, la medida del Everest menos el
trozo que el mismo cortó) es simétrica, imposible de contestar:
“¿Cómo ser ‘suizo’ afecta a Sigg en sus prácticas de coleccionista?”.
En este sentido, la exposición de The Real Thing se desvincula de
las narrativas tradicionales y de la búsqueda de referentes –como es
la de Sigg–. Por supuesto que refleja una realidad china, porque son
chinos los protagonistas, pero en el fondo las problemáticas que
plantean las obras son otras: básicamente, se trata de cuestiones
relacionadas con la percepción, el universo conceptual… Éste es el
verdadero argumento de la muestra, y por esta misma razón, las obras
que se presentan son indiferentes a la tradición o el territorio. Es
la aldea global. Y sin embargo también expresan –ni más ni menos que
Sigg– el punto de vista occidental, o mejor dicho, el imperialismo y
aculturación occidental. La problemática de Sigg, la de las esencias,
es romántica. La de The Real Thing es un planteamiento más actual:
implica la globalización, la uniformización de los lenguajes y los
procesos del arte. Éste, me temo, es el arte que viene… JAUME VIDAL
OLIVERAS
*El español Sánchez Vidal gana el premio Primavera con una novela
que ensalza la cultura inca - TERRA.ES
El escritor español Agustín Sánchez Vidal obtuvo hoy el Premio
Primavera de Novela con su obra 'Nudo de sangre', una novela
histórica y de aventuras situada en el Perú colonial, que recrea con
maestría la sabiduría de aquel gran imperio.
El español sánchez vidal gana el premio primavera
En la misma
edición del Premio Primavera, dotado con 200.000 euros (más de
300.000 dólares) para la obra ganadora, quedó finalista el
periodista y escritor español Luis del Val con su novela 'Crucero de
otoño', una obra coral y cosmopolita que encierra a sus personajes
en un crucero por el Mediterráneo para 'reflejar la hipocresía y el
cinismo que inunda la sociedad occidental'.
Las líneas generales de ambas obras han sido explicadas hoy por el
crítico literario Ángel Basanta en un encuentro con la prensa en el
que, por primera vez en la historia de este premio que convoca
Espasa Calpe y Ámbito Cultural, han estado presentes los
galardonados.
'Son dos novelas muy interesantes y muy diferentes', aseguró Basanta,
miembro del jurado del que han formado también parte Antonio Soler,
Ramón Pernas, Ana Rosa Semprún y Myriam Galaz, como secretaria sin
voto. La presidenta, Ana María Matute, no ha podido asistir al fallo
del premio por problemas de salud.
Para Basanta 'el gran mérito de 'Nudo de sangre' es que mezcla
extraordinariamente cultura e historia en una trama muy bien urdida.
Lo que empieza siendo una novela histórica y de aventuras acaba
superando las limitaciones de ambos géneros para terminar en una
historia de amor a la cultura de los incas'.
Sánchez Vidal tiene más de cincuenta libros en su haber sobre
literatura, arte y cine, y 'Nudo de sangre' es su segunda novela,
tras 'La llave maestra' que publicó en 2005.
Hoy, visiblemente contento, contó que 'Nudo de sangre' 'se puede
leer como una novela de aventuras de pleno derecho', pero los
lectores que quieran ir más allá se encontrarán con la experiencia
que él tuvo cuando hace ocho años fue a Perú y descubrió 'aquel
paisaje y aquella cultura extraordinaria, y el poso que ha dejado en
la nuestra'.
'Es una auténtica novela de amor a la cultura inca y a cómo se puede
conseguir una cultura tan extraordinaria sin escritura', afirmó el
ganador, catedrático de Historia del Arte en la Universidad de
Zaragoza.
En palabras de Basanta, la novela ganadora cuenta 'una larga
historia' que se desarrolla en dos períodos separados por 200 años.
La primera parte transcurre en el siglo XVI y recrea los últimos
años del Imperio Inca, mientras permanecieron encerrados en la
ciudad secreta de Vilcabamba 'para mantener la libertad y las
características de su cultura'.
La segunda parte traslada al lector al siglo XVIII, a la época de la
expulsión de los jesuitas, y tiene como protagonistas a un ingeniero
militar español, descendiente de los jesuitas que estuvieron en
Cuzco, y a 'una bella mestiza indígena descendiente de la familia
del linaje real de los incas'.
Luis del Val combina su labor como periodista en la cadena de radio
privada española Ser con su actividad como escritor, que le ha
valido premios como el Gijón de Novela, que logró en 1987 con
'Buenos días, señor ministro', o el Ateneo, con 'Las amigas
imperfectas'.
En la novela finalista del Premio Espasa (dotada con 30.000 euros)
la intriga, el espionaje, el amor y el lujo se dan cita en un
crucero por el Mediterráneo, en el que el autor consigue 'aislar a
una serie de personajes que encarnan conflictos y situaciones de
nuestro tiempo', señaló Ángel Basanta.
Del Val es muy aficionado a los cruceros y, de hecho, como contó hoy,
cada año suele hacer uno por la costa turca próxima a Grecia.
'Crucero de otoño', insistió hoy, 'es pura ficción', y en ella hay
desde empresarios que se hacen millonarios con el tráfico de drogas
y sus esposas, que presiden fundaciones antidrogas, hasta espías
retirados, matones y prostitutas.
'Es una novela muy cosmopolita porque se habla de Nueva York,
Boston, Jerez, Sevilla...', comentó Del Val.
A la XII edición del Premio Primavera se presentaron un total de 254
originales procedentes de 22 países, catorce de ellos países de
América Latina.
México, con 11 novelas, y Argentina, con 10, figuran entre los
países que más originales presentaron, tras España, con 125. También
se recibieron 6 de Estados Unidos, 5 de Colombia y 4 de Brasil.
*Xosé García Albeos, un estilo pictórico con claves propias - R. G.-
ABC.ES
A CORUÑA. Trinta e dúas son as obras pictóricas que este artista
vigués, Xosé García Albeos, amosa na sala de exposicións do Pazo
Municipal de A Coruña, situado na Praza de María Pita. «A súa obra
desemboca nun realismo cheo de calidade e matices, e os seus lenzos
estáno consagrando como un dos máis destacados pintores galegos
dentro desta tendencia», escribe Marta Méndez, licenciada en
Historia da Arte e autora do texto do catálogo da devandita mostra.
Destacan na
temática desta exposición como elementos dominantes o mar mailos
paisaxes da cidade de A Coruña e os seus arredores, dos cales o
pintor é un fiel admirador. A constancia, tenacidade, capacidade de
traballo, coherencia e o seu peculiar e único modo de facer no
oficio de pintor paisaxista, plásmase nestas 32 últimas obras do
autor, onde se aprecia de modo aínda máis patente a consolidación
dun estilo con claves propias, moi persoal e profundamente sinceiro:
isto conleva que as súas pinturas teñan un selo propio e, polo tanto,
que sexan cada vez máis inconfundibles.
Un artista
galego
As súas
paisaxes son, en primeiro lugar, creadas por un artista galego, que
ama a Galicia e que xa non pode dar marcha atrás porque se sinte
atrapado pola maxia e beleza que encerra a paisaxe galega. Xa sendo
meniño viviu no ambiente profundamente rural de Albeos (Creciente),
unha pequena aldea bañada polo seu amado Río Miño. Dela apropiouse
para o seu seudónimo artístico.
Atopámonos,
deste xeito, ante un pintor pasmado polos variados rincóns mariños,
montes, regatos, bosques, campiñas, fragas, atmósferas, brumas e
néboas do país, Galicia, porque Xosé García Albeos busca, elixe e
atopa os temas para ser levados ao lenzo, facéndoo con esmero,
adicación, e, sobor de todo, moita paixón.
O dominio do
debuxo e a composición son evidentes e están presentes en calquera
das obras presentadas, pero tamén o bo oficio co pincel (en
exposicións anteriores amosou unha gran maestría pintando coa
espátula). Pero hai máis, é admirable a súa sobriedade no traballo
coa cor, empregando gamas cromáticas neutras, grises, cores
terciarias tan abundantes na natureza e paisaxe galega.
Manifesta
Xosé que sigue firme na súa loita por acadar a súa ansiada meta
pictórica: «ser un digno pintor paisaxista galego». No texto do
catálogo da exposición «Encontros», realizada na Casa Galega da
Cultura (xuño do pasado ano 2007), Lalo Vázquez Gil (cronista
oficial da cidade de Vigo) escribía: «Xosé García Albeos enche a súa
obra dun aura poética imaxe da súa personalidade. Métanse dentro das
súas paisaxes, García Albeos dará moito que falar no futuro da súa
historia artística».
*El pintor burgalés José María González Cuasante, premio Castilla y
León de las Artes 2007 - TERRAESPANA
El pintor burgalés José María González Cuasante fue galardonada hoy
con el premio Castilla y León del Deporte 2007, según decidió por
unanimidad el jurado, que emitió su fallo hoy en Valladolid.
Los miembros del jurado valoraron de González Cuasante su 'coherente
y personal trayectoria artística encuadrada en el nuevo realismo
surgido en España a partir de los años 70' así como 'su destacada y
dilatada actividad docente e investigadora en el campo del color'.
En este sentido el jurado, presidido por el catedrático de Bellas
Artes José Sánchez-Carralero, y formado por el director del Museo
Histórico Provincial de Burgos, Juan Carlos Elorza; el pintor y
premio Castilla y León 2006, José María Mezquita Gullón; la
profesora titular de Historia del Arte de la Universidad de
Salamanca, María Teresa Paliza; el director del Musac, Rafael
Doctor, y el director de Televisión Castilla y León, Florencio
Carrera, resaltó que la pintura del galardonado está 'imbricada'
desde la fotografía, lo que permite denominarla 'fotorealismo', 'aunque
desde el pálpito y factura pictórica, no exento de connotaciones
próximas al movimiento del realismo Pop, más americano que europeo'.
Asimismo el presidente del jurado, quien destacó el 'excelente nivel'
de las candidaturas presentadas, mayoritarias de artistas vinculadas
con la pintura y la escultura, destacó la importancia de las
investigaciones realizadas por González Cuasante en el mundo del
color así como de sus creaciones, enmarcadas en la década de los 70,
en los albores de la abstracción, 'fenómeno pendular' del que nació
un fenómeno de realismo 'bastante fuerte'.
Sánchez-Carralero resaltó, además, que las creaciones de González
Cuasante tienen una gran conexión con el mundo americano de la época,
es decir con el mundo cotidiano y del consumo así como su capacidad
cromática, a la que se suma 'cierto iluminismo'.
Tras subrayar que sus obras se han exhibido en distintos países del
mundo, el presidente del jurado aseguró que, pese a vivir en Madrid,
el galardonado 'nunca abandonó' Castilla y León, región de la que
'ha hecho patria' desde la capital de España, por lo que es 'justo'
que se le reconozca con el premio ya que cuenta con 'mérito' para
formar parte del plantel de galardonados.
SU BIOGRAFÍA.
José María González Cuasante nació en Fresno de la Losa (Burgos) y
es licenciado en Filosofía y Letras y en Bellas Artes por la
Universidad Complutense de Madrid y Doctor y Catedrático de Bellas
Artes en esta Universidad.
En 1982 obtuvo la Beca de la Fundación Juan March para realizar
estudios en el extranjero pero, previamente, en 1980, recibió el
Segundo Premio Internacional de Dibujo de Nuremberg y en 1981 el
Primer Premio de Pintura Ciudad de Burgos.
González Cuasante ha desarrollado una actividad docente y académica
a través del desempeño de diferentes cargos, entre ellos el de
decano de la Facultad de Bellas Artes, y ha dirigido numerosas tesis
doctorales, pronunciado conferencias y publicado numerosos libros y
artículos.
'Su obra se inscribe en la figuración postimpresionista,
profundizando en la percepción del paisaje cotidiano, desde la
perspectiva de Bonnard, a través de la saturación del color y las
sutiles vibraciones del claroscuro', destacaron fuentes de la
Consejería de Cultura, que añadieron que la temática de su pintura
se integra en la vida diaria observada desde una premisa irónica y
un análisis frío que entronca con artistas como Wesselman, Hamilton,
Warhol o Linchestein.
González Cuasante ha realizado 63 exposiciones individuales y más de
120 colectivas en países como Italia, Francia, Brasil, Estados
Unidos, Inglaterra, Corea y Portugal y su obra figura ya en 25
museos y grandes colecciones como el IVAM, al Chase Manhattan Bank
de Nueva York o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Los galardonados hasta el momento con el Premio Castilla y León de
las Artes son Juan Manuel Díaz Caneja, Baltasar Lobo y Antonio
Baciero, Cristóbal Halffter, José Vela Zanetti, Antonio Fernández
Alba, Francisco Regueiro, Luis Sáez, José Núñez Larraz, Las Edades
del Hombre, Comunidad Benedictina de Santo Domingo de Silos, Claudio
Prieto, José Sánchez-Carralero López, Antonio Giménez-Rico, Esteban
Vicente, Modesto Ciruelos González, Dúo Frechilla Zuloaga, Cristóbal
Gabarrón, Venancio Blanco Martín, José María García Fernández 'Castilviejo',
Ana Jiménez López, Fernando Urdiales Alaiz, Amancio Prada y José
María Mezquita Gullón.
Los premios Castilla y León 2007, que abarcan las modalidades de
Investigación Científica y Técnica; Artes; Letras; Ciencias Sociales
y Humanidades; Protección del Medio Ambiente; Valores Humanos;
Restauración y Conservación del Patrimonio y Deporte están dotados
con 18.500 euros.
GOOGLE NEWS
Volver al inicio
|
