Período de Barcelona

Tras haber vivido varios años en La Coruña, llegó a Barcelona en 1895. Su padre fue nombrado profesor de la escuela de Bellas Artes de Barcelona en 1896. Por esta época colaboró como dibujante en diferentes revistas catalanas y fundó la revista Arte joven que fue un fracaso. Estando en Barcelona pintó cuadros.

Período Azul

Este periodo comienza en 1901, a causa del suicidio de un amigo suyo en París, y termina en 1904. Es un periodo en el que utiliza un ambiente bohemio de las calles parisinas, también mostrado en sus cuadros la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del post-impresionismo. En sus obras, Picasso casi siempre utiliza tonos azules y representa personajes escuálidos con expresión trágica Dama en Eden Concert (1903), La Vida (1903), Las dos hermanas (1904) así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años, miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas al estilo de El Greco. El cuadro Habitación azul refleja el trabajo de su evolución hacia el periodo azul.

Período Rosa

Poco después de establecerse en París, Picasso conoce su primera compañera. Desde 1905 su paleta se inclina hacia los tonos rosas y rojos, lo que dura hasta 1906.

En esta época Picasso fue menos trágico y representó escenas de circos, comediantes, etc. Algunas de estas: Familia de Arlequín (1905) y tuvo una obra maestra, Gran holandesa.

Protocubismo

En el verano de 1906, en Gosol, su obra entrará en una fase marcada por la influencia africana. El retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro, otra obra que marcó este periodo fue Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo. Frente a la pintura trata en esta obra la profundidad espacial y la forma de representación del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y ángulos.En este periodo Picasso se desvincula de los cánones de arte relacionados en mostrar representaciones exactas de la realidad, modificándolas, más precisamente transformándolas con parámetros geometricos.

Período Cubista

Transcurre entre 1908 a 1916. En este periodo Picasso tiene una manera de pintar neoclásica, como la Mujer sentada y La Griega, y en otras obras como los delicados retratos de su hijo Pablo. Busca una pintura pura, y para ello comenzó a observar los objetos de su taller, de modo intelectual. A esta época pertenecen: El Retrato de Vollard (1910), "le guitariste" (1910) y El aficionado (1912).

En la escultura consiguió dar la sensación de volúmenes. Esta se basó principalmente en botijos y elementos de barro cocido, esculpido y después pintado.

Período Neoclasicista

Este periodo comienza en 1917 y termina en 1927. En este periodo hay una tendencia en muchos artistas de vuelta al clasicismo. En su caso, una vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio. Se puede observar esta misma tendencia en otros artistas importantes de la época, que se adscriben al neoclasicismo.

De todos modos, es en la música donde el neoclasicismo de entreguerras tiene más fuerza. Data de este periodo la composición de Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas (1920), Apolo, dios de las musas (Apollon Musagète), para orquesta de cuerdas (1928) y El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta (1928), de Ígor Stravinski.

Época Surrealista

Este periodo dura de 1928 a 1932. Las pinturas que destacan son Bañista en pie (1929), Bañista al borde del mar (1930) y El sueño (1932). En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal.

Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Bretón calificaba este acercamiento de Picasso como «...surrealista dentro del cubismo...»

Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), donde Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos, de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.

En 1931 ilustró las metamorfosis de Ovidio dentro de un puro clasicismo.

Época expresionista

Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos, el Guernica, es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En estos años la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía.

Otras obras fueron Mujeres llorando, y Mujeres sentadas, que refleja la tragedia de la guerra.

El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. En escultura realiza las piezas más abstracta, sin método ni sistema. Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia, siguiendo pintando en el París ocupado por los nazis. Cuando terminó la guerra, se unió al partido comunista.

Período de Vallauris

Se traslada a Vallauris. En esta ciudad acabó su escultura El hombre del cordero que mide 2,20 m de altura. Dicha figura se encuentra en la plaza del mercado de dicha ciudad (1950, "Museo de Arte de Filadelfia") y se dedicó por completo a la cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: La cabra (1950, "Museo de Arte Moderno"), también en bronce; la obra que llevó a cabo en 1964: maqueta de cabeza de mujer, una monumental escultura de 1966 en acero soldado; a lo largo de siete meses, creó notables series de grabados con el que retornó a sus primitivos temas: el circo, escenas eróticas... En Vallauris nacieron sus dos hijos, circunstancia que favoreció la presentación de cuadros más infantiles y maternales, rebosando maternidad. También pintó enormes murales: La guerra y La Paz (1952), Massacre en corée (1951), La Baignade (1957). Durante los últimos años pintó variaciones de temas célebres.

Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Eugenio Delacroix y Eduardo Manet. Además de en la pintura de cuadros Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fermande Moulot.

En 1963 se inauguró en Barcelona el Museo Picasso. En 1971 celebra Picasso su 90º cumpleaños y le hicieron numerosos homenajes.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones.

La más inusual de su producción artística, fue la obra Autorretrato (1907); es una de las últimas que hizo Picasso, sintiéndose identificado por el post-impresionismo. Forma parte del Periodo Rosa. Los tonos rojizos dominan, oscuros o claros, en las distintas partes de cuadro. En el fondo de la parte izquierda combina el color rosado como base junto con café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego con tonos rojos y naranjas se va aclarando a medida que se sube. Los tonos de la cara llevan un gris como base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel.

No se fija mucho en los detalles de la forma de la cara, sino que pone más énfasis en los colores, jugando con los tonos para lograr más realismo al rostro. Se nota que Picasso está empezando a atravesar por una época de cambio, ya que va dejando de lado la perfección de la forma para fijarse más que nada en lo fundamental. Este es el cambio que determinó la obra completa de Picasso, ya que tuvo una evolución que lo llevó al cubismo.

 

SOBRE EL CUBISMO

Movimiento artístico surgido en París hacia 1906, en el que mediante un ejercicio intelectual el artista reduce las formas de la naturaleza a pura geometría, presentando simultáneamente al espectador el objeto bajo diversos puntos de vista. Suele establecerse el origen del cubismo en el año 1906-1907, en el que Picasso terminó las Señoritas de Avignon. De hecho, este cuadro anuncia una época totalmente nueva en el arte y es considerado el cuadro más importante de todo el siglo XX. Según Apollinaire, fue Matisse el primero que utilizó el término cubista ante un paisaje de Braque expuesto en el Salón de Otoño de 1908.

Las principales influencias en la gestación del cubismo fueron la pintura de Cézanne (cuya exposición antológica de 1907 en París lo convirtió en el maestro indiscutible) y el arte negro. Sus creadores fueron, en absoluta conjunción, Picasso y Braque. Picasso abordó la forma cubista en términos tridimensionales, partiendo de la escultura africana e ibérica. Braque le aportó un enfoque más poético, creando para el cubismo un nuevo concepto del espacio pictórico en el que las figuras de Picasso fueron el complemento perfecto.

En 1907, David Henry Kahnweiler, que había abierto una galería en París, presenta a Picasso a un joven pintor francés llamado Georges Braque. En 1908 empieza a tomar forma el grupo de pintores que se establece en Montmartre, en unas edificaciones conocidas como Bateau-Lavoire. El grupo incluye además de Picasso y Braque a Max Jacob, Marie Laurencin, Guillaume Apollinaire, André Salmon, Maurice Raynal, Juan Gris y Gertrude y Leo Stein. En 1910 Léger entra en contacto con Picasso y Braque; en 1909 se habían unido al grupo Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henry Le Fauconnier, Jean Metzinger, Francis Picabia y Alexander Archipenko. En 1910 es el año de las adhesiones de Roger de la Fresnaye, Louis Marcoussis, y de los hermanos Duchamp (Jacques Villon, Duchamp Villon y Marcel Duchamp), y de la escisión y formación de un nuevo grupo en torno a Jacques Villon que incluía a Gleizes, La Fresnaye, Léger, Metzinger, Picabia y Frank Kupka. En 1912 habían llegado a París Piet Mondrian de Holanda y Diego Rivera de México, entrando en contacto con el cubismo.

Las primeras obras cubistas son los paisajes pintados por Picasso en Horta de Ebro en el verano de 1909, así como algunos paisajes pintados por Braque en L Estaque en 1908. Es este período del cubismo el conocido como analítico: el sujeto del cuadro se estructura geométricamente a la manera de Cézanne, el problema de la modulación se resuelve más que con el color, con la luz y la sombra. Esta exclusión del color dio a las obras cubistas de Picasso y Braque del período analítico (1909) un aspecto escultórico que confluye con las esculturas realizadas por Picasso en esos mismos años. El objeto es desmembrado en distintos planos que lo analizan fijándolo en la superficie de la tela. Le sigue el cubismo sintético (a partir de finales de 1910), en el que se hacen predominantes algunos elementos utilizados en el período anterior como los instrumentos musicales, los trozos de texto o palabras, texturas de madera y, en general, se desarrolla el collage como técnica pictórica totalmente nueva. Picasso es el inventor del collage (incorporación a la superficie del cuadro de materiales no pictóricos, recogidos del entorno cotidiano) y Braque del papier collé (aplicación de tiras de papel a la superficie de la pintura). El objeto ya no "...aparece desmembrado en el cubismo sintético, sino reconstituido en su fisonomía esencial...", con todas o algunas de sus partes vistas por todos sus lados. Se consideran también primeras obras cubistas las de Léger en torno a 1909, concretamente Desnudos en el Bosque.

En 1913 Apollinaire publica Los Pintores Cubistas, considerado por algunos como el manifiesto del movimiento; sin embargo, el carácter científico del texto no cuadra bien con algunas afirmaciones de Picasso con respecto al tema: matemáticas, trigonometría, química, psicoanálisis, etc. han sido asociadas al cubismo para entenderlo mejor. Pero todo esto ha sido pura literatura, cuando no un sinsentido, que ha traído malos resultados, cegando a la gente con teorías .

Puede afirmarse que en los primeros años del cubismo había ya dos orientaciones divergentes: una científica y otra instintiva.

El cubismo de Braque y Picasso se desarrolla en paralelo hasta la guerra de 1914, ambos tratando de mantener el equilibrio entre figuración y abstracción aunque sus procedimientos y procesos de creación fueron distintos. El cubismo de este período, también denominado clásico, aunque fue antinaturalista, siempre fue figurativo con intenciones realistas. Esto se comprueba por la propia iconografía que quedó establecida desde el principio y que nunca se modificó. Después de la guerra, Braque desarrolló una iconografía personal, de exquisito buen gusto que hizo que fuera llamado pintor entre los pintores. La evolución de Picasso después de la guerra es más diversificada, pasando por los períodos rococó y neoclásico, sólo retomando el cubismo en los bodegones de 1924.

En 1912 Gleizes y Metzinger publican Sobre el Cubismo, donde definen una tendencia que con el tiempo daría lugar a distintos modos de abstracción, un desarrollo del cubismo que Picasso y Braque nunca pretendieron.

Hacia 1912 surge la personalidad de Juan Gris como pintor cubista. Su estilo, mucho más intelectualizado que el de Braque y Picasso, lleva los logros del período sintético a sus consecuencias más lógicas. En sus naturalezas muertas, los objetos están diseccionados por sus ejes, las partes resultantes analizadas desde distintos ángulos visuales y todo vuelto a recomponer en una imagen que es más analítica y más literal que cualesquiera otras de todo el cubismo.

A partir de 1913 Gris comenzó a desarrollar su obra más sintética a través de los dibujos matemáticos, en los que se desvela un proceso creativo frío y esquemático que no se ajusta a ningún sistema conocido. Las relaciones geométricas le facilitaban la creación en términos puramente abstractos. Es este aspecto de su arte el que le relaciona con el constructivismo de Malevich y la abstracción pura de Mondrian. Ejerció una fuerte influencia en el grupo de los puristas y los escultores Laurens y Lipchitz miraban su obra como guía para hacer el cubismo en escultura.

De todos los cubistas es Léger el que adoptó el dogma cezantiano (interpretar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cubo) de forma más literal. Recibió la influencia del cubismo analítico de Picasso, pero en su caso, la desmembración de la forma no es vehículo para el análisis de su estructura sino sólo un medio de enfatizar la composición y darle más movimiento. Entre 1912 y 1913 evolucionó hacia la abstracción para volver a la realidad y al objeto tras su experiencia en la guerra. En la posguerra se convirtió en el pintor de la vida moderna y fue uno de los primeros en ocuparse del tema de la inserción del artista en la sociedad.

Hacia 1912 el cubismo recibió el influjo del Futurismo italiano, sobre todo en las obras de Jacques Villon y Marcel Duchamp. Este último evolucionaría hacia el dadaísmo, rechazando el cubismo y el futurismo. Gris es el único que se mantuvo puramente cubista hasta su muerte en 1927.

La escultura cubista siguió un desarrollo distinto al de la pintura aunque también se sintió fuertemente influida por la escultura africana de la que aprendieron que la forma humana podía ser reducida para mantener su identidad, abriéndoles el camino para liberar a la escultura de siglos de refinamiento. Los principales representantes son Brancusi, Duchamp-Villon, Julio González, Archipenko, Lipchitz y Henri Laurens. Algunos pintores también practicaron la escultura como es el caso de Juan Gris y Picasso. El primer escultor que utilizó el lenguaje cubista fue Duchamp-Villon en 1910, al que siguieron Brancusi en 1912 y Lipchitz en 1913. Julio González llegó a París en 1900. Archipenko fue uno de los grandes precursores de la escultura moderna al introducir tan pronto como en 1912 diferentes materiales dentro de la misma construcción. Lipchitz y Laurens realizaron en 1914 y 1915 obras que eran una transcripción literal de las pinturas de Picasso y Braque en una estructura tridimensional. Mantuvieron vivo el cubismo durante mucho más tiempo que los pintores que les habían inspirado.

Por su parte, Brancusi, aunque algunas de sus obras puedan llamarse cubistas, nunca rompió totalmente la estructura de la imagen y todos sus esfuerzos se orientaron a mantener la integridad de la experiencia visual. Picasso, en Guitarra de 1912, demuestra para la escultura el derecho cubista de transformar hasta los más tradicionales objetos o temas. La dislocación de los planos, las superficies planas, los bordes afilados y los cables que usó para las cuerdas, demuestran el deseo de Picasso en ese año de reconstruir el objeto tras haber evolucionado en el cubismo hasta casi la abstracción. Braque hacia 1915 también hizo algunas construcciones tridimensionales con cartón y en esas mismas fechas introdujo a Laurens al cubismo.

 

LOS REPRESENTANTES DEL CUBISMO

Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Se pintaron sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos en este estilo.

Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo, la primera es la analítica, en donde la pintura es casi monocroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. En este período se incluye otro tipo de cubismo, el hermético. Estas obras parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista representados, de este modo la imagen representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando. El cubismo hermético se llevó tan lejos, que con miedo de caer en la abstracción, se transformó en lo que se conoce como el segundo período que es el cubismo Sintético. El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas.

El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.

Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus aportaciones fue el caligrama.

Juan Gris
Fernand Leger
Francis Picabia
Pablo Picasso
Georges Braque
Wifredo Lam
Louis Marcoussis
Jean Metzinger
Sonia Delaunay
Piet Mondrian
Emilio Pettoruti
Guillaume Apollinaire
Carlos Sotomayor
Bateau-Lavoir
 

 

Intercambio de enlaces - Pon tu página o foro aquí....