Fernand Léger (4 de febrero de 1881 - 17 de agosto de 1955). Pintor cubista francés, nacido en Argentan, Normandía.

Entre 1897 y 1899 es alumno de un arquitecto en Caen; en 1900 se traslada a París, donde trabaja como dibujante de arquitectura, al tiempo que estudia en la Academia Julian.

Sus primeras obras datan de 1905 y son de clara influencia impresionista.

En 1907, al igual que otros pintores parisinos, queda profundamente impresionado por la retrospectiva de Cézanne. En este mismo año entra en contacto con el primer cubismo de Picasso y Braque.

Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la máquina.

Desnudos en el bosque (1909-1910), inspirado posiblemente en el cuadro de Picasso de 1908 del mismo título, convierte el tema en una habitación llena de artefactos y robots, donde parece apartarse de la férrea doctrina de Cézanne de pintar a partir del cilindro y el cono; la sobriedad de los colores, unida a la actividad frenética de los robots, crea una atmósfera simbólica de un mundo nuevo y deshumanizado. En algunos aspectos es una anticipación del futurismo italiano.

En 1910 expone con Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler donde, en 1912, hace también su primera individual. Al siguiente año comienza a investigar sobre formas de máquinas representadas con colores primarios, llegando en ocasiones a una estructura abstracta que se hace más explícita con los títulos, como por ejemplo Contraste de formas, de 1913, donde se acerca a las ideas de Delaunay sobre los contrastes de color, aunque manteniendo la marcada tridimensionalidad de sus primeros trabajos. Su fascinación por las formas geométricas y los colores brillantes le lleva a menudo al borde de un arte abstracto, que siempre acaba rechazando.

En Escalera, de 1914, vuelve a pintar la figura y su entorno, pero construyéndola mediante las formas abstractas utilizadas anteriormente.
Entre 1914 y 1917 cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad; aunque su estilo ya estaba predispuesto en esta dirección, a partir de entonces usa las formas cilíndricas y geométricas para idear un mundo mecanizado, aunque, a diferencia de los futuristas, no venera a la máquina, sino que quiere reconciliar sus formas metálicas y regulares con las formas orgánicas, para construir una visión humanista.

La ciudad, de 1919, es una obra clave en las investigaciones de Léger sobre la relación de la realidad con la superficie pintada. En este cuadro controla el habitual aspecto escultórico de su pintura a través de la rigidez arquitectónica, estableciendo la primacía de la bidimensionalidad del plano pictórico; utiliza diversos métodos avanzados de cubismo sintético para conseguir todo tipo de variaciones ilusionistas.

En las obras de este periodo que tienen como tema la ciudad, la figura humana aparece despersonalizada y mecanizada, adaptada al ambiente que la circunda. El artista traduce la energía de la vida contemporánea a equivalentes pictóricos; masa, color y forma se confrontan en una multiplicidad de relaciones, creando imágenes independientes que producen sensaciones simultáneas; los planos se disponen de forma equilibrada y las composiciones se organizan por zonas bien definidas de color puro, uniforme y claramente delimitado. "Los elementos pictóricos de Léger, netos, simples, variados, producen, como las máquinas ideales, efectos de extraordinaria potencia" (Flint).

En los primeros años veinte colabora con el escritor Blaise Cendrars en algunas películas, y diseña escenografías y trajes para el ballet Suédois, de Rolf de Maré.

En 1923-1924 trabaja en su primera película sin argumento, Ballet mécanique, en la que interviene también Man Ray. En 1924 abre un taller con Ozenfant, y en 1925 hace sus primeros murales en el Pabellón del L'Esprit Nouveau de Le Corbusier para la Exposición Internacional de Artes Decorativas.

Durante los años veinte y treinta, Léger se muestra abierto a los estilos que se desarrollan. Algunos de sus cuadros de estos años muestran ciertas influencias de Kandinsky, de De Stijl y del Surrealismo.

El tema que más desarrolla en esta época es la figura, en composiciones como Tres mujeres (1921), donde las figuras se muestran despersonalizadas, como volúmenes mecánicos modelados a partir del fondo geométrico, dando un paso más hacia la abstracción, al mismo tiempo que evoca un ambiente Art Déco. En cuadros como éste se acerca claramente al purismo de Ozenfant y Le Corbusier.

En 1931 visita por primera vez los Estados Unidos y, en 1935, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago exponen su obra.

Entre 1940 y 1945 vive en los Estados Unidos, y vuelve a Francia al final de la guerra. Durante su estancia en Estados Unidos es profesor de la Universidad de Yale.

En los últimos diez años de su vida hace ilustraciones de libros, cuadros de figuras monumentales, pinturas murales, vidrieras, mosaicos, esculturas polícromas de cerámica y escenografías teatrales. En 1955 gana el gran premio de la Bienal de Sao Paulo.

Muere el 17 de agosto de ese mismo año en Gif-sur-Yvette, Francia.]

Movimiento artístico surgido en París hacia 1906, en el que mediante un ejercicio intelectual el artista reduce las formas de la naturaleza a pura geometría, presentando simultáneamente al espectador el objeto bajo diversos puntos de vista. Suele establecerse el origen del cubismo en el año 1906-1907, en el que Picasso terminó las Señoritas de Avignon. De hecho, este cuadro anuncia una época totalmente nueva en el arte y es considerado el cuadro más importante de todo el siglo XX. Según Apollinaire, fue Matisse el primero que utilizó el término cubista ante un paisaje de Braque expuesto en el Salón de Otoño de 1908.

Las principales influencias en la gestación del cubismo fueron la pintura de Cézanne (cuya exposición antológica de 1907 en París lo convirtió en el maestro indiscutible) y el arte negro. Sus creadores fueron, en absoluta conjunción, Picasso y Braque. Picasso abordó la forma cubista en términos tridimensionales, partiendo de la escultura africana e ibérica. Braque le aportó un enfoque más poético, creando para el cubismo un nuevo concepto del espacio pictórico en el que las figuras de Picasso fueron el complemento perfecto.

En 1907, David Henry Kahnweiler, que había abierto una galería en París, presenta a Picasso a un joven pintor francés llamado Georges Braque. En 1908 empieza a tomar forma el grupo de pintores que se establece en Montmartre, en unas edificaciones conocidas como Bateau-Lavoire. El grupo incluye además de Picasso y Braque a Max Jacob, Marie Laurencin, Guillaume Apollinaire, André Salmon, Maurice Raynal, Juan Gris y Gertrude y Leo Stein. En 1910 Léger entra en contacto con Picasso y Braque; en 1909 se habían unido al grupo Robert Delaunay, Albert Gleizes, Henry Le Fauconnier, Jean Metzinger, Francis Picabia y Alexander Archipenko. En 1910 es el año de las adhesiones de Roger de la Fresnaye, Louis Marcoussis, y de los hermanos Duchamp (Jacques Villon, Duchamp Villon y Marcel Duchamp), y de la escisión y formación de un nuevo grupo en torno a Jacques Villon que incluía a Gleizes, La Fresnaye, Léger, Metzinger, Picabia y Frank Kupka. En 1912 habían llegado a París Piet Mondrian de Holanda y Diego Rivera de México, entrando en contacto con el cubismo.

Las primeras obras cubistas son los paisajes pintados por Picasso en Horta de Ebro en el verano de 1909, así como algunos paisajes pintados por Braque en L Estaque en 1908. Es este período del cubismo el conocido como analítico: el sujeto del cuadro se estructura geométricamente a la manera de Cézanne, el problema de la modulación se resuelve más que con el color, con la luz y la sombra. Esta exclusión del color dio a las obras cubistas de Picasso y Braque del período analítico (1909) un aspecto escultórico que confluye con las esculturas realizadas por Picasso en esos mismos años. El objeto es desmembrado en distintos planos que lo analizan fijándolo en la superficie de la tela. Le sigue el cubismo sintético (a partir de finales de 1910), en el que se hacen predominantes algunos elementos utilizados en el período anterior como los instrumentos musicales, los trozos de texto o palabras, texturas de madera y, en general, se desarrolla el collage como técnica pictórica totalmente nueva. Picasso es el inventor del collage (incorporación a la superficie del cuadro de materiales no pictóricos, recogidos del entorno cotidiano) y Braque del papier collé (aplicación de tiras de papel a la superficie de la pintura). El objeto ya no "...aparece desmembrado en el cubismo sintético, sino reconstituido en su fisonomía esencial...", con todas o algunas de sus partes vistas por todos sus lados. Se consideran también primeras obras cubistas las de Léger en torno a 1909, concretamente Desnudos en el Bosque.

En 1913 Apollinaire publica Los Pintores Cubistas, considerado por algunos como el manifiesto del movimiento; sin embargo, el carácter científico del texto no cuadra bien con algunas afirmaciones de Picasso con respecto al tema: matemáticas, trigonometría, química, psicoanálisis, etc. han sido asociadas al cubismo para entenderlo mejor. Pero todo esto ha sido pura literatura, cuando no un sinsentido, que ha traído malos resultados, cegando a la gente con teorías .

Puede afirmarse que en los primeros años del cubismo había ya dos orientaciones divergentes: una científica y otra instintiva.

El cubismo de Braque y Picasso se desarrolla en paralelo hasta la guerra de 1914, ambos tratando de mantener el equilibrio entre figuración y abstracción aunque sus procedimientos y procesos de creación fueron distintos. El cubismo de este período, también denominado clásico, aunque fue antinaturalista, siempre fue figurativo con intenciones realistas. Esto se comprueba por la propia iconografía que quedó establecida desde el principio y que nunca se modificó. Después de la guerra, Braque desarrolló una iconografía personal, de exquisito buen gusto que hizo que fuera llamado pintor entre los pintores. La evolución de Picasso después de la guerra es más diversificada, pasando por los períodos rococó y neoclásico, sólo retomando el cubismo en los bodegones de 1924.

En 1912 Gleizes y Metzinger publican Sobre el Cubismo, donde definen una tendencia que con el tiempo daría lugar a distintos modos de abstracción, un desarrollo del cubismo que Picasso y Braque nunca pretendieron.

Hacia 1912 surge la personalidad de Juan Gris como pintor cubista. Su estilo, mucho más intelectualizado que el de Braque y Picasso, lleva los logros del período sintético a sus consecuencias más lógicas. En sus naturalezas muertas, los objetos están diseccionados por sus ejes, las partes resultantes analizadas desde distintos ángulos visuales y todo vuelto a recomponer en una imagen que es más analítica y más literal que cualesquiera otras de todo el cubismo.

A partir de 1913 Gris comenzó a desarrollar su obra más sintética a través de los dibujos matemáticos, en los que se desvela un proceso creativo frío y esquemático que no se ajusta a ningún sistema conocido. Las relaciones geométricas le facilitaban la creación en términos puramente abstractos. Es este aspecto de su arte el que le relaciona con el constructivismo de Malevich y la abstracción pura de Mondrian. Ejerció una fuerte influencia en el grupo de los puristas y los escultores Laurens y Lipchitz miraban su obra como guía para hacer el cubismo en escultura.

De todos los cubistas es Léger el que adoptó el dogma cezantiano (interpretar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cubo) de forma más literal. Recibió la influencia del cubismo analítico de Picasso, pero en su caso, la desmembración de la forma no es vehículo para el análisis de su estructura sino sólo un medio de enfatizar la composición y darle más movimiento. Entre 1912 y 1913 evolucionó hacia la abstracción para volver a la realidad y al objeto tras su experiencia en la guerra. En la posguerra se convirtió en el pintor de la vida moderna y fue uno de los primeros en ocuparse del tema de la inserción del artista en la sociedad.

Hacia 1912 el cubismo recibió el influjo del Futurismo italiano, sobre todo en las obras de Jacques Villon y Marcel Duchamp. Este último evolucionaría hacia el dadaísmo, rechazando el cubismo y el futurismo. Gris es el único que se mantuvo puramente cubista hasta su muerte en 1927.

La escultura cubista siguió un desarrollo distinto al de la pintura aunque también se sintió fuertemente influida por la escultura africana de la que aprendieron que la forma humana podía ser reducida para mantener su identidad, abriéndoles el camino para liberar a la escultura de siglos de refinamiento. Los principales representantes son Brancusi, Duchamp-Villon, Julio González, Archipenko, Lipchitz y Henri Laurens. Algunos pintores también practicaron la escultura como es el caso de Juan Gris y Picasso. El primer escultor que utilizó el lenguaje cubista fue Duchamp-Villon en 1910, al que siguieron Brancusi en 1912 y Lipchitz en 1913. Julio González llegó a París en 1900. Archipenko fue uno de los grandes precursores de la escultura moderna al introducir tan pronto como en 1912 diferentes materiales dentro de la misma construcción. Lipchitz y Laurens realizaron en 1914 y 1915 obras que eran una transcripción literal de las pinturas de Picasso y Braque en una estructura tridimensional. Mantuvieron vivo el cubismo durante mucho más tiempo que los pintores que les habían inspirado.

Por su parte, Brancusi, aunque algunas de sus obras puedan llamarse cubistas, nunca rompió totalmente la estructura de la imagen y todos sus esfuerzos se orientaron a mantener la integridad de la experiencia visual. Picasso, en Guitarra de 1912, demuestra para la escultura el derecho cubista de transformar hasta los más tradicionales objetos o temas. La dislocación de los planos, las superficies planas, los bordes afilados y los cables que usó para las cuerdas, demuestran el deseo de Picasso en ese año de reconstruir el objeto tras haber evolucionado en el cubismo hasta casi la abstracción. Braque hacia 1915 también hizo algunas construcciones tridimensionales con cartón y en esas mismas fechas introdujo a Laurens al cubismo.

 

 

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