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Dibujante, pintor y escultor colombiano, el
más importante artista colombiano de las últimas décadas, nacido en
la ciudad de Medellín el 19 de abril de 1932.
Aparte de los breves estudios realizados en la
Academia de San Fernando de Madrid y luego en la de San Marcos en
Florencia, hay que señalar que Fernando Botero es un autodidacto.
Desarrolló un estilo personal: figurativo y realista. Empezó a los
dieciséis años como dibujante del suplemento literario del periódico
El Colombiano, cuando aún cursaba sus estudios en el colegio.
A los dieciocho años, Botero fue expulsado del colegio de los
jesuitas donde estudiaba bachillerato por haber publicado un
artículo titulado Picasso y el no conformismo en el Arte. En
1951, realizó su primera exposición individual en Bogotá. Con el
dinero allí recaudado, se estableció luego en Tolú. Después de
participar en el IX Salón de Artistas Colombianos (Bogotá, 1952),
donde obtuvo el segundo premio con su cuadro Frente al mar, y
tras realizar dos exposiciones de sus obras en Santafé de Bogotá, a
los 20 años viajó a Europa (Barcelona, Madrid, París, Florencia).
Ingresó en la Academia de San Fernando y
trabajó durante un año en el Museo del Prado. Cuando volvió a su
país, repitió sus éxitos en las exposiciones: en 1957, consiguió el
segundo premio en pintura del X Salón de Artistas Colombianos, con
su óleo Contrapunto; en 1958, primer premio en el XI Salón
Nacional con el óleo La Camera degli Sposi. Aunque desde 1960
reside en el extranjero (doce años en Nueva York y luego en París e
Italia), se siente el más colombiano de los artistas colombianos.
Algunos de sus cuadros más famosos son: La comida con Ingres y
Piero della Francesca (1972), Obispos muertos
(1965), Dictador tomando chocolate (1969), Familia con
animales colombianos (1970), Toro muriendo (1985),
Muerte de Ramón Torres (1986), La Mona Lisa de doce años,
Sillón con mandolina, El niño de Vallecas, Los
músicos (1979), La madre priora (1980), La casa de los
gemelos Arias y La apoteosis de Ramón Hoyos.
A partir de 1976, Botero se dedicó a la
escultura. Su primera exposición como escultor tuvo lugar en el Gran
Palais de París en 1977, con trece esculturas. Luego, en 1978, el
artista presentó una serie de 32 obras en la Galería Brusberg de
Hannover. La calidad de sus esculturas se hace más manifiesta cuando
agiganta un fragmento del cuerpo humano o lleva al absurdo el
contraste entre dos figuras o partes del cuerpo. Los más grandes
reconocimientos al valor de su trabajo escultórico lo representan su
exposición en los Campos Elíseos de París (1992) y en la Quinta
Avenida de Nueva York (1993). Todos sus trabajos tridimensionales
tienen un carácter arcaizante. Ello se debe, según
explicaciones del propio artista, a su deseo de buscar las raíces en
el arte precolombino y a cierta influencia del arte popular mejicano.
Algunas de las características de sus obras son el feísmo, la
monstruosidad y la deformación. El centro de sus obras es el hombre,
pero el hombre que sobrevive atrapado en las convenciones de una
sociedad. Muchas de estas figuras fueron posteriormente regaladas a
algunos de los países que acogieron dichas exposiciones. Así, y por
votación popular, Botero dejó dos esculturas en Madrid tras la gran
exposición en 1994 en el Paseo de Recoletos, una Mano y una
Maja desnuda. También dejó, asimismo, una escultura en el
aeropuerto madrileño de Barajas titulada El rapto de Europa.
En abril de 2005 inauguró una exposición en el
Palacio Venecia de Roma en la que presentó más de cincuenta pinturas
cuyo motivo eran las torturas infringidas por soldados
estadounidenses a presos iraquíes en la cárcel de Abu Ghraib durante
la ocupación de Irak en 2003.
El 19
de abril de 1932 nace Fernando Botero en Medellín, capital del
Departamento de Antioquía, Colombia, en el hogar formado por David
Botero(1895- 1936), un activo comerciante que viajaba por las
provincias vecinas a caballo – el único medio de transporte
disponible entonces , y Flora Angulo de Botero.
(1898-1972). Una mujer creativa de reconocida habilidad manual,
cuyas hermanas – las tías Ángulo –ocupan un lugar especial en el
universo afectivo del pintor. Tiene dos hermanos: Juan David (1928)
y Rodrigo(1936).
1938-1949. Cursa estudios primarios en el Colegio Bolivariano de
secundaria. A los doce años su tío Joaquín. gran aficionado taurino.
lo envía a una escuela de "matadores" que funcionaba en la plaza de
la Macarena de Medellín, dirigida por Aranguito, un banderillero.
Lleva sus primeros dibujos – toros y toreros – al almacén de don
Rafael Pérez, donde se venden entradas para la plaza de toros. Su
primera obra es vendida por dos pesos. Desde los cerros que enmarcan
a Medellín. dibuja y pinta en los fines de semana paisajes en
acuarela. Admira el arte precolombino, el barroco de las iglesias
que lo rodean y a artistas como José Clemente Orozco. de la escuela
muralista mexicana. Por esta época descubre también a Dalí y a
Picasso. En 1948 dos de sus acuarelas son incluidas en una muestra
colectiva en el Instituto de Bellas Artes de Medellín.
1949 -1950. Botero financia sus estudios en el Liceo San José y en
la Normal de Marinilla con los dibujos que realiza para el
suplemento dominical de El Colombiano, de donde, luego de escribir
un artículo sobre Picasso, es despedido por inconformista. Conoce al
pintor Rafael Sáenz quien, entre otras, le muestra reproducciones de
Giotto. Botella reconoce en él a un maestro de quien recibió buenos
consejos. Diseña la escenografía para la obra Ardiente Oscuridad. de
Bueno Vallejo, montada por el grupo español de teatro Lope de Vega,
que se hallaba de gira por el país. Colabora en el programa radial
"Panorama Intelectual", en el que se enfrentaban la intelectualidad
joven del país y la tradicionalista. Se instala en Bogotá, donde se
une a la vanguardia artística y participa en varias exposiciones
colectivas.
1951. Realiza su primera exposición individual en la Galería Leo
Matiz. El pintor Ignacio Gómez Jaramillo, el poeta León de Greiff y
el escritor Jorge Zalamea se interesan por su trabajo. Este año
viaja a Tolú. en la costa caribe del país. Allí, en la pensión de
Isolinia García paga sus cuentas con un mural. Termina pintando
sobre las sábanas que tenían bordado el monograma de su madre. Su
obra de este momento refleja la influencia de Gauguin y de los
períodos rosa y azul de Pablo Picasso.
1952. Regresa a Bogotá. Abre una exposición en la que vende todos
los cuadros. Obtiene también el segundo premio en el IX Salón Anual
de Artistas Colombianos. La editorial de Eddy Torres publica una
monografía de su trabajo. Es el primer libro que aparece sobre su
obra. El artista tiene sólo 20 años. En el puerto de Buenaventura
toma el barco italiano "Uso dimare".LLega a Barcelona y de allí se
dirige a Madrid. donde estudia por un tiempo en la Academia de San
Fernando. En El Prado se produce el encuentro con Velásquez y con
Goya. Ayuda su presupuesto pintan do copias para turistas.
1953-1954. Pasa los veranos en París. y en el Louvre estudia los
grandes maestros. Viaja a Italia. En Florencia se inscribe en la
Academia de San Marcos. donde asiste a las conferencias de Roberto
Longhi sobre historia del arte. tema que desde entonces lo apasiona
y lo nutre. "Mis años en Florencia los considero como los más
importantes de mi formación". En los museos de Roma. Florencia,
Venecia. Siena y Ravena se familiariza con el arte del Renacimiento
italiano y realiza un estudio profundo del arte italiano del siglo
XIV. eje de su pintura. Lee a Berenson y aprende sobre los valores
táctiles y la representación de los volúmenes. hace un recorrido
para conocer los frescos más importantes de Italia y se aplica al
estudio de sus técnicas. Se apropia de la plasticidad total que le
transmiten Piero della Francesca – 'Por la plenitud de la forma, la
organización del espacio y la armonía cromática. Es el mayor
exponente del color local en la pintura" –, Paolo Uccello – "Por su
pasión por la geometría, que significa para mí la serenidad de la
pintura –, Tiziano – "En su pintura se encuentra un co- lor que es
como una expresión de la naturaleza' –. Ingres, Giotto, Masaccio.
"Estudiando estos artistas, yo adquirí gradualmente mayor claridad
sobre lo que el espacio y el volumen querían decirme. Se me acentuó
el deseo por lo enorme. por lo fuerte y lo monumental tal –.
l955. Regresa a Bogotá. En la Biblioteca Nacional presenta una
exposición de sus obras italianas, que no es recibida con mayor
entusiasmo. En este año contrae matrimonio con Gloria de Artei.
1956. Se radica en México, donde se interesa por el arte
precolombino, y el trabajo de los surrealistas Mexicanos, que le
atraen por parecerle que allí estaba la esencia de lo
latinoamericano. Es allí donde al pintar la obra 'naturaleza Muerta,
con Mandolina, descubre la posibilidad de aumentar el volumen de las
fornidas.' Un día, estando completamente agotado, hice una pequeña
marca en el centro de una mandolina que había estado dibujando....
El pequeño círculo, que el artista había hecho para marcar la
calidad sonora de la mandolina, le dio al instrumento la solidez que
irá a desembocar en el encuentro de la proporción “boteriana” que
luego desarrolla en toda su obra. “Fue como atravesar una puerta
para entrar en otro cuarto”.
Expone por primera vez en Estados Unidos, como parte de una muestra
colectiva en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas, Nace su
hijo Fernando.
1957. Viaja a Nueva York con US $200 en el bolsillo y se instala en
el Greenwich Village. “Me atraía la energía de la ciudad y la
demanda de calidad que exigía un lugar que contaba con una avalancha
de talentos”. Se interesa en De Kooning y Dubuffet por la
generosidad del gesto y la materia. Viaja a Washington. Allí la
Unión Panamericana auspicia su primera exposición individual en
Estados Unidos. Regresa a Bogotá. Obtiene el segundo premio del X
Salón Anual de Artistas Colombianos.
1958. Es nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la
Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá. Recibe el primer premio
en el X/ Salón Anual de Artistas Colombianos con su obra La cámara
nupcial (Homenaje a Mantegna) No.1 Abre con éxito su primera
exposición individual en la Gres Gallery de Washington. Su obra es
incluida en la XXIX Bienal de Venecia. Nace su hija Lina.
1959. Representa a Colombia en la V Bienal de Sao Paulo, Brasil,
junto con los artistas Enrique Grau, Alejandro Obregón y Eduardo
Ramírez Villamizar.
1960. Pinta su gran fresco en el Banco Central Hipotecario de
Medellín. Nace su hijo Juan Carlos. Actúa como jurado en el concurso
de Miss Universo, en Miami. Seleccionado para representar a Colombia
en la II Bienal de México, el evento suscita tal controversia que
con el resto de colegas se niegan a participar y abren, en cambio,
una exposición en Bogotá, titulada 25 Pinturas y Relieves (Los
pintores autoexcluidos de la II Bienal de México), Hacia finales de
año, se establece en la ciudad de Nueva York. Obtiene el premio a la
participación colombiana en la famosa exposición del Guggenheim
International Award 1960. En esta ciudad Botero pasa por un período
muy difícil de su carrera artística. Es el momento del auge de la
pintura abstracta. cuando si no se es un pintor abstracto no se es
pintor. “Durante años creí en mí y en lo que hacía, contra las
críticas más espantosas. En la revista News dijeron, por ejemplo,
que mis figuras eran 'fetos de Mussolini con una campesina idiota’.
El Art Magazine me trató mejor, dijo que mi pintura era un
'monumento a la estupidez'. Y estos eran los que hablaban de mi
pintura en relación con mi obra porque los demás hablaban de las
‘caricaturas' de Botero... En medio de toda esa tormenta. yo mantuve
mi fe en mí, en mi obra". Se separa de Gloria de Antei.
1961. E1 Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere su obra Mona
Lisa a la edad de doce años (1958).
1962. Expone individualmente en la Gres Gallery de Chicago.
1963. El Museo de Arte Moderno de Nueva York expone la Mona Lisa a
la edad de doce años, coincidiendo con la exhibición de la Mona Lisa
de Leonardo da Vinci, en el Metropolitan Museum.
1964. Recibe el segundo premio en el Primer Salón Intercol de
Artistas Jóvenes. realizado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.
Botero logra el toque consistente y moderado que requería para
alcanzar la maestría pictórica, en cuadros como La Familia Pinzón.
"Lo que me interesa es exaltar la sensualidad de la forma asociada a
los valores táctiles". En este año Contrae matrimonio con Cecilia
Zambrano.
1966. Expone individualmente en Baden-Baden y Hannover. En el
Milkwauke Art Center se lleva a cabo su primera ex posición en un
museo de Estados Unidos, con una muestra retrospectiva. La revista
Time publica una critica elogiosa sobre su trabajo.
1967-8. Reparte su tiempo entre Bogotá, Nueva York y Europa. En
Munich y Nuremberg estudia la obra de Durero. De esta época son sus
Durer- boteros. Se interesa también en la obra de Manet y Bonnard,
aunque permanentemente reivindica sus orígenes latinoamericanos.
“Quiero ser capaz de pinta todo, hasta María Antonieta y Luis XV,
pero con la esperanza de que todo lo que yo haga esté impregnado del
alma latinoamericana".
1969. Expone en el Center for Inter American Relations de Nueva York.
y en septiembre abre la primera exposición individual de sus obras
en París. en la Galería Claude Bernard. 1970. Inaugura en Baden-Baden,
Alemania, una exposición retrospectiva itinerante de 80 obras. que
viaja por otros cuatro museos del país Expone en Londres en la
Hannover Gallery. "Desde este momento muchas galerías comenzaron a
interesarse por mi trabajo". Nace su hijo Pedro.
1971. Traslada su estudio de Nueva York a la Calle 30. Alquila un
apartamento en París en 5 Boulevard du Palais. Abre un estudio en
Bogotá.
1972. Realiza su primera exposición individual en la Galería Mayrl
borough de Nueva York.
1973. Se instala definitivamente en París. Realiza sus primeras
esculturas. Organiza su primera retrospectiva en Bogota. 1974.
Expone en Hannover, Medellín y Zurich. En un accidente
automovilístico ocurrido en España muere su hijo Pedro, de cuatro
años. Botero resulta herido..
1975. Expone en Caracas, Rotterdam, Nueva York, Toronto y Montreal.
Se separa de Cecilia Zambrano.
1976. Expone en París. Abre una retrospectiva en Caracas. El
presidente de Venezuela le impone la Orden Andrés Bello. Exhibe en
Washington y Bogotá. Dedica todo su tiempo a la escultura. "La
escultura es una consecuencia natural de mi trabajo de pintor donde
el volumen siempre ha estado presente".
1977. El gobierno de Colombia le otorga la Cruz de Boyacá. en el
grado de Oficial. En memoria de su hijo desaparecido. se abre la
Sala Pedrito Botero en el Museo de Antioquía. Botero hace una
donación de 16 obras a esta sala. Inaugura su primera exposición
individual de esculturas en la Cuarta Feria Internacional de Arte
Contemporáneo (FlAC) de París, Trabaja en la serie de cuadros
titulados Margarita, inspirados en Velásquez.
1978. Traslada su estudio de París a lo que fue parte de la antigua
sede de la Académie Julian. Este año une su vida a la artista griega
Sophia Valí, destacada pintora, escultora y diseñadora de joyas.
1979. Inaugura en Hirshhorn Museum de Washington su primera gran
exposición retrospectiva en Estados Unidos. Realiza exposiciones
itinerantes en Bélgica. Noruega, Suecia.
1980. Instala una residencia y un estudio de escultura en Pietra-
santa, Italia, una región famosa por sus canteras de mármol y sus
fundiciones. Por encargo de la revista francesa Vogue pinta una
serie de sus mujeres, vestidas por grandes modistos del mundo.
Expone acuarelas, dibujos y esculturas en Basilea. Colabora con
notas e ilustraciones en el diario El Tiempo, de Bogotá.
1981. Abre exposiciones retrospectivas en Tokio y Osaka. En Roma
presenta una muestra de acuarelas y dibujos, cuyo catálogo tiene un
ensayo de Alberto Moravia. Expone en Nueva York. San Francisco y
Chicago.1982. Abre exposiciones en Bogotá y Nueva York. Esta ultima
muestra es llevada también a Houston, Chicago, Filadelfia y Boston.
1983. Expone en Basilea una muestra de pintura, dibujos y acuarelas.
En Londres abre una exposición de su obra mas reciente.
1984. Inaugura en Chicago una exposición de escultura que es llevada
luego a Nueva York. En Ithaca inaugura una muestra de dibujos y
esculturas, y en Utica una muestra de escultura que es llevada a
Scranton y Lafayette. Dona al Museo de Antioquía una sala de
esculturas y 18 cuadros a la Biblioteca Nacional de Bogotá.Por esta
época pinta básicamente escenas taurinas. "Yo he osado pintar la
corrida porque conozco muy bien el tema. Uno no puede pintar si no
hay una relación entre el tema y el alma. Esto le da a uno cierta
autoridad moral. Este tema me viene por la sangre. por la vida".
1985. En la Galería Marlborough de Nueva York expone sus esculturas
de gran formato, así como su serie de pinturas sobre el tema de La
Corrida. Abre exposiciones en Coral Gables y en el Museo de Ponce,
en San Juan de Puerto Rico.
1986. Inaugura una gran muestra retrospectiva en Munich, que es
llevada a Bremen y Frankfurt.Expone en Albany, Tokio y Caracas.
1987. El Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, abre una
retrospectiva de su obra. Expone también en Bogotá y Hamburgo. En
Milán exhibe su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida.
1988. Se presenta la serie de pinturas sobre el tema de La Corrida,
en Nápoles y Palermo.
1989. Se presenta su serie de pinturas sobre el tema de La Corrida
en Coro, Caracas y México. Expone sus esculturas en la Feria de Arte
de Los Ángeles, y luego en Nueva York y México.
1990. Expone en Bélgica. Inaugura una retrospectiva en Suiza y
exhibe sus esculturas recientes en Nueva York.
1991. Inaugura exposiciones en Berlín, Florencia y Tokio. En Roma se
presenta la exposición antológica de cuadros, dibujos y esculturas
sobre el tema de La Corrida. Envía sus esculturas a la Bienal de
Montecarlo.
1992. Abre una exposición en Sevilla y una retrospectiva en Viena.
En septiembre se exhiben sus esculturas monumentales en Montecarlo.
En París se muestra su serie de pinturas sobre el tema de La
Corrida, así como obras recientes sobre papel y esculturas de
pequeño formato. En los Campos Elíseos se exhiben en octubre de este
año.32 de sus esculturas -monumentales. Señaló Jacques Chirac.
presidente de Francia: "Botero es. en efecto, el lazo entre dos
continentes a la vez diferentes y complementarios, entre dos mundos:
el de los maestros occidentales y al de la tradición
latinoamericana... Los personajes ; las formas generosas de Botero;
sus mujeres llenas de sensualidad. de dulzura, paradójicamente de
pujanza ; sus creaciones. incestuosas e impresionantes a la vez, van
a animar de una manera insoluta la avenida de los Campos Eliseos".
1993. Inaugura una exposición en el Palacio de los papas en Avignon,
que es llevada al Museo Pushkin de Moscú y al Museo Estatal de El
Hermitage en San Petersburgo. Sus esculturas monumentales se exhiben
a lo largo de la famosa Park Avenue de Nueva York.
1994. Inaugura exposición retrospectiva en el Museo de Arte de
Helsinki. Expone en Nueva York, Chicago y Fort Lauder dale – Rapto
de Europa. Nueva York. Abre una exposición en el Museo Nacional de
Bellas Artes de Buenos Aires, al tiempo con una muestra de sus
grandes esculturas en los jardines del Museo. En Madrid se exhiben
sus esculturas monumentales en el Paseo de Recoletos.
1995.Expone en Bélgica, París y Beverly Hills. En Japón se abre una
muestra que viaja itinerante por el país.
1996. Sus obras siguen recorriendo el mundo: Jerusalén. Nueva York,
Washington. Berlín, Caracas. Kyongju. Diseña escenografía y
vestuario para la ópera La hija del regimiento de Caetano Donizetti.
coproducida por Montecarlo, Ginebra, y Dusseldorf.
1997. Inaugura exposiciones en Santiago de Chile, Roma, Madrid Y
Lugano
1998. Expone sus esculturas monumentales en la Plaza del Comercio de
Lisboa. Este año también expone en Sao Paulo y Basilea.
1999. En un reconocimiento sin precedentes, Botero es invitado a
exponer su obra en la Plaza de la Señoría, en Florencia. distinción
que, hasta ahora, solo se le ha otorgado a él. Simultáneamente
expone pinturas y esculturas de formato pequeño en la Sala de Armas
del Palazzo Veccio. Este año también expone sus obras en Caracas.
Monterrey y Tel Aviv.
2000. Decide entregar a su ciudad natal una importante colección de
85 obras de su autoría y 21 de artistas internacionales. Su
generosidad con la cultura de su tierra suscita la respuesta de la
administración municipal, que se compromete con hacer un gran museo
para albergar la obra del maestro. Al tiempo. se generan cambios
fundamentales que llevan a realizar importantes intervenciones
urbanas para la recuperación del centro de la ciudad. lugar donde se
ha construido el nuevo Museo de Antioquía, uno de los sueños de
Botero. Sophia Vari y Amando Botero.. En el mismo año entrega a
Bogotá, la capital de Colombia, 136,de sus obras y 52 de artistas
famosos, parte de su colección privada, entre las Cuales se
encuentran cuadros de Picasso, Gauguin, Renoir, Dalí, Manet, Corot;
entre otras. Se inicia entonces la ampliación de la Biblioteca. Luis
Ángel Arango para la exhibición de las nuevas obras, compromiso que
asume el Banco de la República. Antes del traslado definitivo de
estas obras a Colombia, el artista expone el conjunto de sus
donaciones en la Sala de Exposiciones de la Fundación Santander
Central Hispano, en Madrid, España.
En este
año realiza una exposición de esculturas monumentales en Pietrasanta,
Italia y una retrospectiva de 100 obras en el Palazzo Bricherasio de
Turín.
El artista
colombiano Fernando Botero apenas requiere presentación. Los
personajes de sus obras, su tratamiento de la forma y el volumen, se
han convertido en una seña de identidad tan precisa como universal.
Botero:
"La pintura nace de una reflexión" - Entrevista a la red BBC de
Londres
-
BBC -"Fue tal el placer que sentí que a los 18
años dejé el colegio donde estaba estudiando el bachillerato
para dedicarme de lleno a la pintura".
"De manera que soy profesional desde los 18 años. No he hecho
otra cosa". El pintor colombiano, Fernando Botero, conversó con
Marcelo Justo, en BBC Estudio 834.
BBC - Pero hubo un momento concreto, como una
epifanía, en el que usted se dijo "yo voy a ser pintor".
Yo empecé a dibujar y pintar porque tenía una gran pasión por
los toros.
En el colegio me la pasaba dibujando toros y toreros. Pero eso
no se puede llamar arte, porque en realidad dibujaba por mi
pasión por los toros. Un día hice una naturaleza muerta. Ese día
me convertí en un artista.
El día en que uno hace una obra por el deseo de solucionar un
problema estético, uno se convierte en artista más allá del
valor artístico de la obra.
BBC - ¿Conservó esa primera naturaleza muerta?
No. Pero hay algunas obras de esa época. Tengo algunas
fotos de esas primeras obras, que revelan el espíritu un poco
dramático que tenía entonces.
Esa fue la línea que tomé a los 18 años. Interesante porque no
está tan lejos de lo que hago hoy en día. Por ejemplo, hay un
cierto interés en el tema del volumen, intuitivo.
BBC - ¿Había ya un interés en el volumen?
Sí. Uno nace con ciertas inclinaciones y después racionaliza por
qué. Eso me pasó en Italia. Cuando llegué a Europa tuve la
oportunidad de ver los grandes museos, sentí una inclinación muy
grande por la pintura florentina italiana que es volumétrica.
¿Por qué me gustó esa pintura más que la de Siena o el
impresionismo? Lo que me hizo identificarme con ese estilo fue
el volumen. De modo que en el fondo uno está predispuesto a ser
un tipo de pintor desde el principio.
BBC - En su obra cambian los temas pero lo que
parecería no cambiar es el tratamiento de la forma que
constituye su marca, su estilo. ¿Cómo define usted el estilo
Botero?
Uno tiene un estilo que es el resultado de una reflexión sobre
qué es la excelencia de la pintura.
Si yo trato un tema amable o uno dramático hay un mismo estilo.
La única definición que puedo dar es que soy figurativo, porque
no soy abstracto. Es una pintura personal.
Tomé un camino aparte, casi opuesto a la mayoría de los otros
artistas. No soy cubista, impresionista, surrealista,
expresionista. Soy lo que soy.
BBC - Lo que a uno le pasa es que uno ve un
cuadro y sabe que es un Botero. No pasa con tantos artistas.
Eso creo que es básico en la historia de la pintura. El hecho de
que se reconozca a un artista es muy importante.
Todos los artistas que tienen una declaración de principios tan
fuertes son reconocibles porque tienen posiciones extremas y muy
claras.
BBC - ¿Cuál es entonces su declaración de
principios?
La pintura nace de una reflexión sobre lo que es excelente en el
arte. La pintura debe tener un tema, lo cual es tabú hoy en día
en el arte moderno.
Debe tener volumen y espacio, algo que también es tabú en el
arte moderno que es bidimensional.
Mi trabajo nace de inclinaciones opuestas a lo que se hace hoy.
Pero no porque me lo propuse. Nací distinto. Vengo de una
pequeña ciudad en Colombia.
No nací en Nueva York, Londres o París. Y además nunca he creído
en el colonialismo cultural que desgraciadamente existe mucho en
América Latina con pintores que siguen lo que se hace en Londres,
París y Nueva York.
He sido siempre fiel a lo que yo pienso que debe ser el gran
arte.
BBC - Hay otro colombiano igualmente célebre, que
se dedica a otra materia artística, Gabriel García Márquez ¿Usted
ve alguna relación entre su obra y la de García Márquez que
también tiene un estilo muy reconocible?
Los dos nacimos del mismo caldo, de la misma realidad colombiana.
Pero la literatura no puede influir a la pintura, ni la pintura
en la literatura. Porque la pintura es intrínseca, especial. Los
dos venimos del mismo mundo colombiano. Pero las esencias son
distintas.
BBC - Pero aparte de lo colombiano, hay algo
desmesurado en ambos. ¿No hay algo Rabelesiano en ambos, una
suerte de influencia común del mundo desmesurado de Gargantúa y
Pantagruel?
Si usted mira mis catálogos, usted ve que ese mundo Rabelesiano
existe en mi obra desde 1955.
En García Márquez comienza en 1966 cuando publica "Cien años de
soledad". Antes era un gran escritor en la tradición
norteamericana de Hemingway. Un gran escritor naturalista.
Yo era un pintor desbordado diez años antes. Claro el arte es
exageración. Pero él hace un mundo surrealista, en donde la
gente vuela.
Yo no hago realismo mágico. Lo mío es improbable pero no
imposible. Cuando pinto obispos bañándose en el mar vestidos de
obispos es improbable pero no imposible porque aquí en mi cuadro
nadie vuela.
Si uno mira mis obras yo hacía Boteros antes de que existiera
García Márquez.
BBC - Esta elección que hace por lo figurativo
puede tener connotaciones sociales y políticas. ¿Como ve esta
relación entre lo figurativo, lo social, lo político y su obra?
Yo he hecho anteriormente temas que tenían cierto toque político.
En la época de los 70, con las juntas militares, hubo cuadros
que contenían una sátira de la situación. Era un toque entre la
poesía y la sátira.
Más tarde hice cuadros con la violencia en Colombia o la tortura
en las cárceles de Abu Graib, que tienen una clara intención, no
diría política, sino de denuncia.
Yo creo que el arte se basa en temas más amables que dramáticos.
Uno conoce miles de cuadros impresionistas, pero uno no conoce
uno que sea dramático.
Los artistas tenían vidas dramáticas, había guerras, pobreza y,
sin embargo, los cuadros eran amables, al punto que uno cuando
ve un cuadro impresionista, a uno le gustaría estar dentro del
cuadro.
Pero al mismo tiempo soy consciente que se puede reflejar una
situación dramática manteniendo un gran interés estético.
BBC - No es secreto que usted tiene 73 años y
seguramente tiene marcha para rato (... risas....), pero también
es muy probable que esté llegando a ciertas conclusiones sobre
el arte. ¿En cuánto al arte a qué conclusión está llegando?
La esencia de la pintura es la plasticidad. Uno trata que esa
plasticidad sea cada vez más efectiva. Desgraciadamente la gente
se fija mucho más en el tema. Incluso los críticos.
A mí me llama la atención cuando leo libros que cuentan mucho
sobre la vida del artista, con quién se casó y no mencionan nada
de la plasticidad, esa sensualidad que es la esencia de la
pintura. Con los años uno quiere tocar esa esencia de la pintura.
BBC - Usted mencionaba un cierto colonialismo
cultural en cuanto al arte latinoamericano contemporáneo. ¿Hacia
dónde debe avanzar el arte latinoamericano de una manera que
pueda incorporar todo la riqueza del arte mundial sin perder su
propia identidad en el proceso?
El arte siempre tuvo raíces. El arte egipcio era de Egipto y el
griego era de Grecia y el impresionismo es francés y no alemán.
Hoy en día se ha reemplazado esto con la idea del arte
internacional, que es el que sale en las revistas de arte de
todo el mundo y que es igual en todas partes.
Esto es diferente a la universalidad del arte, es decir, del
arte que viene de un sitio pero que es capaz de conmover a todo
el mundo.
En Japón se conmueven con Goya que no tiene nada que ver con la
pintura japonesa, pero tiene todas las virtudes que lo hacen un
arte universal.
Hoy en día uno ve las obras de la mayoría de los pintores
jóvenes y las podría hacer un francés o un americano.
Una lástima. Hay obras, tradiciones, en la arquitectura, en el
arte precolombino, en el colonial que tienen un sabor muy
especial, de América Latina. Hoy ese arte no tiene importancia
para la mayoría de los artistas.
Creo que uno tendría que amar esas cosas que son las nuestras y
eso se manifiesta luego en el trabajo del pintor y le da ese
espíritu latinoamericano.
-
Fernando Botero recibe dos de las más altas distinciones de
España y Colombia en su 75
Fernando Botero, uno de los artistas colombianos más universales,
recibió este jueves, coincidiendo con su 75 cumpleaños, dos de
las más altas distinciones de Colombia y España a manos de la
Embajadora colombiana, Noemí Sanín y de la ministra de Cultura
española, Carmen Calvo, respectivamente.
'Para mi este día es inolvidable. Recibir de manera simultánea
dos de las distinciones más importantes que otorgan los
Gobiernos de España y de Colombia, como son la Gran Cruz de la
Orden de Isabel La Católica y la Orden de San Carlos, es un
honor inmenso que agradezco profundamente', manifestó el pintor
y escultor colombiano.
En la Embajada de Colombia en Madrid Fernando Botero, a quien
todos se dirigieron como 'maestro', recibió la imposición de la
Orden de San Carlos en nombre del presidente del Ejecutivo
Colombiano, Álvaro Uribe. Además, en nombre del Rey Juan Carlos
a petición del gobierno español, también recibió la Gran Cruz de
Isabel La Católica coincidiendo con el 75 cumpleaños del genial
artista.
La Orden de San Carlos se creó para honrar y enaltecer a los
ciudadanos colombianos extranjeros que se hayan distinguido por
sus connotados servicios al país, especialmente en el campo de
las Relaciones Internacionales, según informó la Embajada.
El decreto en el que se otorgó la distinción colombiana
consideró que 'la vida y obra del maestro Fernando Botero,
ilustre pintor y escultor colombiano, han brillado
internacionalmente y conquistado triunfos para el conocimiento
universal para las artes plásticas. Han merecido el
reconocimiento de la crítica mundial y ha contribuido a
engrandecer la imagen de Colombia en el Exterior'.
'El maestro Fernando Botero predilecto hijo de Medellín y
mecenas de jóvenes talentos, por medio de su expresión artística
(...) ha logrado una identidad particular que lo distingue como
uno de los artistas más importantes e influyentes de la
actualidad y su obra ha sido valorada, exaltada y respetada en
los confines del planeta', estableció el decreto.
'Es deseo del Gobierno nacional reconocer el talento, la obra,
el legado y la persona del maestro Fernando Botero, los cuales
en su conjunto han contribuido a construir el acervo cultural
artístico colombiano', añadió.
'Confiérase la orden de San Carlos en el grado de Gran Cruz con
placa de oro al maestro Fernando Botero, connotado artista
colombiano en su 75 años de natalicio', dictó el decreto en su
primer artículo.
CARTA DE URIBE
El presidente colombiano, Álvaro Uribe, envió una carta personal
al pintor y escultor, Fernando Botero, que se encargó de leer
ante los presentes la Embajadora de Colombia en España, Noemí
Sanín.
'Su vida, que ha sido un derroche de magistral creación
artística, está íntimamente unida al último siglo de la Historia
de Colombia; su obra representa la grandeza que se funde en la
exaltación de lo propio, pero siempre inmerso en los mejores
valores de la Humanidad', afirmó el presidente colombiano,
Álvaro Uribe, en una carta.
'En sus volúmenes hay una endemoniada lucidez que registra con
el ojo implacable de un felino en acecho la cotidiana existencia
de sus semejantes', añadió.
'Colombia tiene hacia usted, maestro Botero, una inmensa deuda
de gratitud, primero por el legado que constituye su propia obra
(...), por su ejemplo de vida de transparencia y sentido ético',
manifestó el presidente mediante la Embajadora.
'Sus compatriotas elevamos una oración a la divina providencia
para que le prolongue por muchos años más, esa vida creativa y
generosa, con especial afecto', finalizó Álvaro Uribe su misiva.
GRAN CRUZ DE ISABEL LA CATÓLICA
Por parte española, la ministra de Cultura, Carmen Calvo, fue la
encargada de otorgar la Cruz de Isabel La Católica al artista
colombiano.
'En nombre del Gobierno de España ofrecemos a Botero, un arte de
la creatividad, un honor que según su contenido dice que es para
quienes se hayan destacado en propiciar la amistad de la nación
española con otras naciones en la comunidad internacional. Este
es nuestro primer agradecimiento, la amistad con España', dijo
Calvo al comienzo de su interpelación.
'Nos has entregado dignidad y honor a todos los iberoamericanos',
sostuvo la ministra.
'Te quiero agradecer la ternura en nombre todos los que
apreciamos la belleza, conocemos tu obra y amamos el arte. Una
ternura que necesitamos reivindicar en un mundo cada vez más
complejo, difícil de entender y cada vez más violento. Tus obras
destilan la compasión y la compresión de nosotros mismos',
añadió Calvo.
'Gracias por aceptar este honor que hoy te damos todos los
españoles, 44 millones de hombres y mujeres que aquí vivimos.
Estás aquí porque nunca has dejado de estar. Gracias por empezar
a dibujar toros y toreros; gracias por estar también en ese
espacio en el (Colombia y España) nos damos la mano', concluyó
la ministra, quien se atrevió, saltándose el protocolo habitual,
a entonar el 'cumpleaños feliz'.
El acto estuvo amenizado por música colombiana y por un grupo de
rancheras. Quisieron acompañar, además, a Fernando Botero
toreros como César Rincón, Sebastián Palomo Linares y Enrique
Ponce, quien acudió acompañado de su esposa, Paloma Cuevas; el
juez de la Audiencia Nacional, Baltasar Garzón, el ex alcalde de
Madrid, Álvarez del Manzano; o Lucía Bosé, entre otros.
'Estoy abrumado', dijo Fernando Botero. 'Para mi este día es
inolvidable. Recibir de manera simultánea dos de las
distinciones más importantes que otorgan los Gobiernos de España
y de Colombia, como son la Gran Cruz de la Orden de Isabel La
Católica y la Orden de San Carlos, es un honor inmenso que
agradezco profundamente', manifestó.
'Siempre he sentido un gran amor por España, desde que conocí
las obras de Goya y Velázquez', recordó.
El pintor y escultor colombiano anunció que en los próximos años
su presencia será habitual a partir del año próximo ya que 'por
suerte, invitaciones recientes me traerán frecuentemente por
esta tierra que tanto quiero'.
Botero anunció que en 2008 expondrá su obra en el Museo IVAM de
Valencia y que en 2009 se podrá disfrutar su arte en La Caixa en
Barcelona. 'Luego mis esculturas monumentales serán presentadas
en Sevilla, Bilbao y Barcelona y Palma de Mallorca', añadió.
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